tag:blogger.com,1999:blog-23212152183100090292024-03-14T07:48:02.461+01:00¡QUÉ DE ARTE!Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.comBlogger143125tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-60713803487479903752017-09-27T01:24:00.004+02:002017-09-27T01:36:54.885+02:00Ocaña, el pintor de Cantillana<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-HLK2tg4uXmE/WcrYGIqLOVI/AAAAAAAABko/vlBXrA8fRfIFWuD-m5dNmJT3HaWMTemoACLcBGAs/s1600/LRDV%2B-%2BOCA%25C3%2591A%2B-%2BOBRA%2B-%2BEL%2BVELATORIO.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1020" data-original-width="1600" height="255" src="https://1.bp.blogspot.com/-HLK2tg4uXmE/WcrYGIqLOVI/AAAAAAAABko/vlBXrA8fRfIFWuD-m5dNmJT3HaWMTemoACLcBGAs/s400/LRDV%2B-%2BOCA%25C3%2591A%2B-%2BOBRA%2B-%2BEL%2BVELATORIO.jpg" width="400" /></a></div>
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2017. Hace 70 años que nacía en Cantillana el artista José Pérez Ocaña. Hace tan sólo unos días se cumplieron 34 años de su muerte. Y en Sevilla se está organizando una exposición retrospectiva que finalizará muy pronto, el próximo 1 de octubre. Aún tenéis unos días para disfrutar de ella y de inundaros de luz y, sobretodo, de color. </div>
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Es complejo hablar de Ocaña porque complejo era el personaje, complejo era el artista. Nacido en 1947 en la localidad de Cantillana, desde pequeño se sintió atraido por las tradiciones de su pueblo, especialmente de las religiosas, de las que bebió incansablemente desde pequeño, abrumado por la explosión barroca que ellas representaban. Siendo muy joven, y en vista de que allí le era muy difícil desarrollar toda su personalidad sin ser señalado con el dedo, decide trasladarse a Barcelona en la década de los setenta. Es entonces cuando eclosiona su talento creador, y lo hace a nivel pictórico, pero no se queda ahí, sino que se convierte en un personaje muy activo en los círculos políticos de izquierda y en la reivindicación de los derechos de las personas homosexuales. Ocaña se convirtió en un activista, pero no lo hizo de cualquier manera. Ese espíritu combativo fue llevado a la calle con alegría, con irreverencia, a través de performances en las que, paradójicamente, mostraba las tradiciones más populares de su tierra natal, a las que nunca renunció, y en las que encontró un vehículo perfecto para llevar a cabo toda su creatividad: Paseos por Las Ramblas vestido con traje de gitana, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=gbyOAvIzKoM" target="_blank">procesiones con vírgenes realizadas con papel maché</a>... Y todo.... con alegría</div>
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Paralelamente a estas acciones, sin las cuales es imposible entender su obra, fue desarrollando su faceta como pintor, en la que los temas y las influencias remiten igualmente a sus obsesiones infantiles, a pesar de que a nivel técnico haya influencias del Expresionismo, del Fauvismo o del Ate Naïf. Bautizos, bodas, velatorios, procesiones.... Nunca un artista fue tan moderno siendo tan barroco a la vez.</div>
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Y en 1983, cuando organizaba un carnaval de verano en su pueblo, al que siempre volvía periódicamente, encontró la muerte de la manera más teatral que uno pueda imaginarse. <a href="http://2.bp.blogspot.com/-xaxSRlaBZx4/T2HDF-0AN3I/AAAAAAAABNQ/gIX_BtEiOxk/s1600/LRDV+-+OCA%C3%91A+-+EL+SOL+-+01.jpg" target="_blank">Disfrazado de sol</a> y con cientos de bengalas, su traje comenzó a arder, causándole graves quemaduras y provocando su fallecimiento unos pocos días después. En cierto sentido, su muerte fue su última obra. </div>
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Hace falta seguir reivindicando su producción artística. En Cantillana, en Sevilla, en Barcelona. Que nunca se pierda el recuerdo de un artista libre, sin etiquetas. De un creador auténtico.</div>
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Os dejo una reseña de la exposición "<a href="http://www.eldiario.es/andalucia/lacajanegra/Ocana-anos-pintor-travesti-vestida_0_664583652.html" target="_blank">Ocaña. La pintura travestida</a>" que aún puede verse en Sevilla. Además, también podéis echarle un vistazo a <a href="https://www.youtube.com/watch?v=5w3aeIrGFCc" target="_blank">este vídeo</a></div>
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Y añado algunas de las obras que pueden verse en dicha exposición:</div>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Y9MvWh76ONk/WcreaGC1FyI/AAAAAAAABk8/iPS_9UomWAkjBvnmuqRH-kYtf7oqpoBkACLcBGAs/s1600/_20170926_205957.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1189" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-Y9MvWh76ONk/WcreaGC1FyI/AAAAAAAABk8/iPS_9UomWAkjBvnmuqRH-kYtf7oqpoBkACLcBGAs/s320/_20170926_205957.JPG" width="237" /></a></div>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-AvgCbyYIDiM/WcreiKnDNZI/AAAAAAAABlA/bn2_KcWy_X4FHaFupye1JA5KmnX5pJBjgCLcBGAs/s1600/_20170926_210037.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1315" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-AvgCbyYIDiM/WcreiKnDNZI/AAAAAAAABlA/bn2_KcWy_X4FHaFupye1JA5KmnX5pJBjgCLcBGAs/s320/_20170926_210037.JPG" width="263" /></a></div>
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<br /></div>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-kdMpPQyu9VU/WcreqEXcnoI/AAAAAAAABlE/stKHntQKGesG1vklbyukOdLJCu0ZImvlgCLcBGAs/s1600/_20170926_210115.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1281" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-kdMpPQyu9VU/WcreqEXcnoI/AAAAAAAABlE/stKHntQKGesG1vklbyukOdLJCu0ZImvlgCLcBGAs/s320/_20170926_210115.JPG" width="256" /></a></div>
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<br /></div>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-Xanrw5z_jkw/WcrezoUVBeI/AAAAAAAABlI/2JtW8ngymyUUW3qNoN8J_q1BXcjcZKb8ACLcBGAs/s1600/_20170926_210217.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1342" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-Xanrw5z_jkw/WcrezoUVBeI/AAAAAAAABlI/2JtW8ngymyUUW3qNoN8J_q1BXcjcZKb8ACLcBGAs/s320/_20170926_210217.JPG" width="268" /></a></div>
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<br /></div>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-cy_Pj2W53Fg/Wcre8B3atHI/AAAAAAAABlM/N10QiRYTX_kSFtN0JQweX5DTWvI9hr-TwCLcBGAs/s1600/_20170926_210321.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1204" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-cy_Pj2W53Fg/Wcre8B3atHI/AAAAAAAABlM/N10QiRYTX_kSFtN0JQweX5DTWvI9hr-TwCLcBGAs/s320/_20170926_210321.JPG" width="240" /></a></div>
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<br /></div>
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-NoD-KWB1-8g/WcrfEXDvIkI/AAAAAAAABlQ/cAfxH-LOqsYeJlsyiGrPjcZfYjCbWh_ygCLcBGAs/s1600/_20170926_210349.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1287" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-NoD-KWB1-8g/WcrfEXDvIkI/AAAAAAAABlQ/cAfxH-LOqsYeJlsyiGrPjcZfYjCbWh_ygCLcBGAs/s320/_20170926_210349.JPG" width="257" /></a></div>
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<br /></div>
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-Rz6Si7rzVcA/WcrfQRvJRoI/AAAAAAAABlU/CE9BvvsMc9o_wfXeVw8VR8rByVAIIo_BgCLcBGAs/s1600/_20170926_210537.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1321" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-Rz6Si7rzVcA/WcrfQRvJRoI/AAAAAAAABlU/CE9BvvsMc9o_wfXeVw8VR8rByVAIIo_BgCLcBGAs/s320/_20170926_210537.JPG" width="264" /></a></div>
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<br /></div>
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<a href="https://2.bp.blogspot.com/-8L7ZPQXPdrs/WcrfYM-KHVI/AAAAAAAABlY/J3Tr9TMYHqgzX7Ohs1g6b1hJAAoaLt-7ACLcBGAs/s1600/_20170926_210604.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1302" data-original-width="1600" height="260" src="https://2.bp.blogspot.com/-8L7ZPQXPdrs/WcrfYM-KHVI/AAAAAAAABlY/J3Tr9TMYHqgzX7Ohs1g6b1hJAAoaLt-7ACLcBGAs/s320/_20170926_210604.JPG" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-s1tKRfCauOc/WcrfhU5fuQI/AAAAAAAABlc/8escb9fOjScXVRKNyogKiPsICVMS-fMcgCLcBGAs/s1600/_20170926_210738.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1286" data-original-width="1600" height="257" src="https://2.bp.blogspot.com/-s1tKRfCauOc/WcrfhU5fuQI/AAAAAAAABlc/8escb9fOjScXVRKNyogKiPsICVMS-fMcgCLcBGAs/s320/_20170926_210738.JPG" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-EYsksr2dQVw/Wcrfn5-2DLI/AAAAAAAABlg/GdpNPxDZjncQjSe35x9g8K8lWKE0OGzlQCLcBGAs/s1600/_20170926_201637.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1592" data-original-width="1600" height="318" src="https://3.bp.blogspot.com/-EYsksr2dQVw/Wcrfn5-2DLI/AAAAAAAABlg/GdpNPxDZjncQjSe35x9g8K8lWKE0OGzlQCLcBGAs/s320/_20170926_201637.JPG" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13.2px; text-align: center;">
<em><b>"Todo eso es como una poesía, como tradición, como superstición... Y yo lo mezclo con mi pintura porque me recuerda las cosas de mi pueblo".<o:p></o:p></b></em></div>
<div style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13.2px; text-align: center;">
<em><b>"Las fiestas, los casamientos, los bautizos, el entierro... todo eso es parte de mi pintura y parte de mi vida y por eso yo mezclo cementerio con alegría y con canto y con bautizos, con borracheras, con romerías y con folclore"</b></em></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/344IA8bH0vY/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/344IA8bH0vY?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<div style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13.2px; text-align: center;">
<em><b><br /></b></em></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-20367989191732004762017-09-16T10:21:00.001+02:002017-09-16T10:24:00.945+02:00Luiso García. Pinturas contra la Tauromaquia<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-YtfcrhzygLo/WbzXRjVkb6I/AAAAAAAABkM/ACFMoXVGoDkVksOVeAPqJxpBqRckq3Y7ACLcBGAs/s1600/02.%2BTe%2Bquiero%2Bvivo..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="807" data-original-width="1111" height="232" src="https://4.bp.blogspot.com/-YtfcrhzygLo/WbzXRjVkb6I/AAAAAAAABkM/ACFMoXVGoDkVksOVeAPqJxpBqRckq3Y7ACLcBGAs/s320/02.%2BTe%2Bquiero%2Bvivo..jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Con motivo de la manifestación estatal por la abolición de la Tauromaquia que tendrá lugar hoy en Madrid, vamos a dedicar la entrada a uno de los creadores que más ha aportado este año a la causa, al menos desde el punto de vista artístico. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://www.luisogarcia.com/" target="_blank">Luiso García</a> es un artista joven que lleva varios años denunciando a través de sus obras las injusticias de nuestro mundo. Desde 2015, además, se convierte en un potente altavoz para la defensa de los derechos de los animales, algo cada vez más demandado en nuestra sociedad. En vista de su trayectoria y de su compromiso, el pasado mes de abril fue invitado a participar en la I Semana Animalista de Sevilla, organizada por <a href="https://pacma.es/" target="_blank">PACMA</a>, con una exposición individual para la que creó 21 obras inéditas con las que invitaba a reflexionar al espectador y a fomentar la empatía hacia los animales. La exposición resultó ser un éxito, e inmediatamente viajó a lo largo y ancho de España, pudiéndose visitar en ciudades como Ciudad Real, Barcelona o Alicante. A partir del próximo 23 de septiembre podrá visitarse en Madrid (Cookkaluza, C/Lira, 8).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La obra que ilustra esta entrada lleva por título "Te quiero vivo" y sirvió para anunciar la exposición de Sevilla con la que comenzó esta hermosa aventura. En ella, y mirando al espectador, podemos ver un toro ante un fondo bicolor perfectamente diferenciado que confronta dos modos de vida bien distintos. Por un lado, el rojo de la sangre, de la tortura. Por otro, el verde de la naturaleza, de la esperanza. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A continuación, rescato el texto que sirvió para difundir la exposición de Sevilla, de la que tuve el placer de ser el comisario:</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i>Luiso García nace en
Madrid en 1980. Licenciado en Bellas Artes y Máster en Dirección de Arte, ha
abarcado distintos campos artísticos en el campo de la ilustración, el diseño y
la escultura en 3D, además de ser profesor de dibujo y pintura. Ha participado
en numerosas exposiciones colectivas y en los últimos años sus exposiciones
individuales han ido en aumento, en ciudades como Madrid, Málaga, Vitoria,
Valencia, Arrecife y Alicante. <o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i><br /></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i>A lo largo de su
trayectoria artística, su obra ha experimentado una constante evolución.
Marcado desde sus inicios por la obra de Antonio Saura, sus primeros años
evidencian las influencias de dicho pintor, así como de Pablo Picasso y Oswaldo
Guayasamín, en un estilo de marcado carácter expresionista con predominio de
líneas rectas y una gama cromática reducida. <o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i><br /></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i>En los últimos años, su
obra ha ido abandonando paulatinamente dichas influencias para apostar por un
tono más dulcificado en el que las líneas, concisas, se entremezclan con
vitalistas explosiones de color complementadas con citas, textos y poemas, a
veces escritos por él mismo, acercándolo al ámbito de la ilustración.<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i><br /></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i>Aunque su obra ha
tenido siempre un marcado compromiso social, la inauguración de la exposición
“Animalario” en diciembre de 2015 marca un punto de inflexión en su carrera, de
forma que, a partir de ese momento, su compromiso en la defensa y la protección
de los animales pasa a formar parte de su producción pictórica de forma
permanente. Desde entonces, dicha temática ha ido en aumento, utilizando su obra
para denunciar los abusos que nuestra sociedad ejerce sobre ellos y para ayudar
a despertar la conciencia de la gente.<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i><br /></i></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i>Con motivo de la I
Semana Cultural contra la Tauromaquia de Sevilla organizada por PACMA, las
imágenes de Luiso García se exponen por primera vez en la ciudad. Un conjunto
de pinturas, la mayoría de ellas inéditas, que nos ayudan a acercarnos desde un
punto de vista crítico a esta práctica que cada vez encuentra más voces en
contra en nuestra sociedad. Una ventana abierta a la reflexión y a la empatía
con aquellos que nunca decidieron estar sobre el albero. Toda una declaración
de intenciones. </i><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , "serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><i><br /></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif;">Os recomiendo conocer en la página web del artista este conjunto de <a href="http://www.luisogarcia.com/pinturas-contra-la-tauromaquia/" target="_blank">21 pinturas</a></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif;">Además, también podéis echar un vistazo a este <a href="http://www.publico.es/culturas/pinturas-tauromaquia.html" target="_blank">artículo-entrevista</a> que apareció en Diario Público</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-76770536583422770272017-08-28T08:52:00.000+02:002017-08-28T11:39:16.726+02:00Matazo Kayama: Naturaleza e instrospección<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-8kp0xZZy_FQ/WaOyrQivCsI/AAAAAAAABjw/cFGRZJ6qVBoXxMn9jdt6PkZZAPhaUPqOACLcBGAs/s1600/MatazoKayama.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="834" data-original-width="1080" height="246" src="https://1.bp.blogspot.com/-8kp0xZZy_FQ/WaOyrQivCsI/AAAAAAAABjw/cFGRZJ6qVBoXxMn9jdt6PkZZAPhaUPqOACLcBGAs/s320/MatazoKayama.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Después de tanto tiempo sin publicar, quizás no sea mala idea hacerlo de la mano de un pintor relativamente poco conocido en España, como es el caso del japonés Matazo Kayama (1927-2004). Atendiendo a los años en los que desarrolló su producción artística, podría haberse tratado de un creador en la órbita del expresionismo abstracto, pero sin embargo nos encontramos ante un firme defensor de la pintura figurativa, en la que, como es lógico, se advierten influencias. Dichas influencias van y vienen de Oriente a Occidente, pues si bien no es difícil adivinar en sus obras ciertos rasgos del Cubismo, del Futurismo e incluso del Op Art, también es un pintor que apostó por revisar ciertas tradiciones artísticas de su país natal. Y aquí es donde tenemos que citar al estilo <i><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Nihonga" target="_blank">Nihonga</a>, </i>imperante en el Japón de finales del siglo XIX y principios del XX, y caracterizado por una conexión poética con la naturaleza, a través de obras espirituales, casi místicas.</div>
<div style="text-align: justify;">
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Con estas dos influencias, Matazo Kayama construye una obra muy interesante y original, llena de sugerencias, en la que lo moderno y lo tradicional se dan la mano. Sus pinturas, de marcado carácter decorativo, tienen en la naturaleza su tema principal. Y dentro de ella, los animales ocupan un papel primordial. Son especialmente llamativas las obras dedicadas a las aves, como es el caso de "Frozen forest", que encabeza esta entrada, y en la que cientos de pájaros negros gravitan en torno a un punto concreto de un bosque lúgubre. Tremendamente sugerente, es sólo un ejemplo de su capacidad para crear atmósferas inquietantes, como también es el caso de <a href="http://1.bp.blogspot.com/_ikj3GuzBfuU/TUCKTaVQiMI/AAAAAAAAFtU/Ckb_5XeiNBI/s1600/6+a0113737_2041345.jpg" target="_blank">"Winter´s veil"</a>.</div>
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Si nos detenemos a mirar un poco sus creaciones, nos daremos cuenta, además de las influencias antes citadas y del misterio que emanan todas las escenas, de cierto gusto por una gama cromática algo parca, en la que los negros, los ocres y los grises abunda por encima de cualquier otro color. No se trata de un estilo que invite a la felicidad, sino a la introspección, a la reflexión. Para ello, os recomiendo ver <a href="https://www.youtube.com/watch?v=13lNLi_nV1U" target="_blank">este vídeo</a> con una selección de alguna de sus obras:<br />
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Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-29390390086254228432011-03-29T23:42:00.009+02:002011-03-30T00:35:14.914+02:00Las Setas de la Encarnación<a href="http://1.bp.blogspot.com/-EWo1zosVvWs/TZJSdUNPlcI/AAAAAAAAAmc/-3YeG9E6ctI/s1600/sam1706.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5589620751114147266" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; CURSOR: hand; HEIGHT: 240px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/-EWo1zosVvWs/TZJSdUNPlcI/AAAAAAAAAmc/-3YeG9E6ctI/s320/sam1706.jpg" border="0" /></a> <br /><div align="justify">Su inauguración se ha visto deslucida por las prisas de última hora, por los intereses electoralistas de querer llegar a tiempo y porque parece que los medios de comunicación españoles no parecen prestar atención a Andalucía a no ser que sea por sucesos sensacionalistas o por la celebración de los más variados festejos. Es posible que si la construcción que hoy nos trae a este blog después de meses de inactividad hubiera tenido lugar en otro punto de la geografía española la repercusión mediática hubiera sido mucho mayor. Sólo diremos que el tiempo pondrá las cosas en su sitio. En medios internacionales comienzan a hacerse eco. Y es que hace un par de días, unas gigantescas setas crecieron en el mismo casco histórico de la ciudad de Sevilla. </div><br /><div align="justify">El objetivo de esta fantástica estructura era revitalizar una zona del centro de la ciudad que se encontraba en franca decadencia. La idea era reurbanizar una plaza, la de la Encarnación, tras haber sido fatalmente mutilada al amparo del desarrollismo más feroz de los años 50 y 60 del pasado siglo, y cuyas huellas más devastadoras pueden apreciarse en las construcciones que jalonan la Calle Imagen. Desde esas fechas, el espacio que media entre la citada calle y la Iglesia de la Anunciación no supo ser remozado con un mínimo de dignidad por ninguna de las autoridades públicas pertinentes, ya fuera en época franquista como democrática. El destartalado mercado municipal y su cartel de "Instalación provisional, 1973" era vergonzante y una demostración tácita de la incapacidad y la falta de iniciativa de la clase política de esta ciudad.</div><br /><div align="justify">Entrando ya el siglo XXI, siendo alcalde Alfredo Sánchez Monteseirín, se convocó un concurso internacional para acometer por fin una verdadera remodelación de este espacio baldío, situado a escasos metros de centros neurálgicos como la Calle Sierpes o la Plaza de la Campana, conocidos por todos cuanto han estado en Sevilla alguna vez. El proyecto ganador se llamaba "Metropol Parasol", y lo firmaba un joven arquitecto alemán: Jürgen Mayer. Se trataba de una estructura orgánica y sinuosa de complicada ejecución. Una vez comenzadas las obras, las dificultades hicieron retrasar las obras en varias ocasiones, duplicándose el presupuesto que inicialmente estaba previsto. <br /><div align="justify"></div></div><br /><div align="justify">Hace, como decimos, dos escasos días, las popularmente conocidas como <em>Setas de la Encarnación</em> se ofrecieron por fin a la ciudadanía. Enclavadas en un espacio angosto, descontextalizadas completeamente de su entorno urbanístico y junto a una iglesia jesuita de finales del siglo XVI, la extraña mole de madera emerge como una maravillosa alucinación. Inspirándose en las bóvedas de la Catedral de Sevilla y en los altos ficus de la cercana Plaza de San Pedro, la obra es absolutamente extrovertida, sorprendente y expresiva en todas sus formas y desde cualquier ángulo Habilita un espacio diáfano y reinventa todo un barrio. Sobre la estructura cabalga una pasarela con extraordinarias vistas al extenso caserío sevillano. En sus bajos se ubican las instalaciones del nuevo y remozado mercado. Y en el subsuelo se sitúan los restos arqueológicos de época romana y medieval hallados durante tantos y tantos años de excavaciones.</div><br /><div align="justify">Metropol-Parasol es una obra atrevida, arriesgda e intrépida que supone la entrada de Sevilla en el siglo XXI y en la arquitectura de vanguardia. Ha generado, durante su largo período de gestación, innumerables críticas y bastante polémica entre los habitantes de una ciudad demasiado ensimismada en sí misma. Estamos seguros de que en no mucho tiempo los sevillanos sabrán entender los valores de esta alucinógena mole que desafía a la Historia respetándola al mismo tiempo.</div><br /><div align="justify">Renovarse o morir...</div><br /><div align="justify">¿Qué habría sido de París si no hubieran dejado a un loco levantar un armazón de hierro de más de 300 metros de altura?</div><br /><div align="justify">(Imagen superior tomada del foro "Sevilla 21")</div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"><iframe title="YouTube video player" src="http://www.youtube.com/embed/qS6w2DTZvsk?rel=0" frameborder="0" width="560" height="349"></iframe></div><br /><div align="justify"></div><br /><div align="justify"></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com21tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-14716025720825930982010-08-02T17:30:00.001+02:002010-08-02T17:52:35.664+02:00Guðjón Samúelsson.<div align="justify"><a href="http://3.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/TFYVJ1Y_-pI/AAAAAAAAAiE/DYLd5vIZ3pQ/s1600/20-unusual-churches-p1-caldari.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5500607253574580882" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; CURSOR: hand; HEIGHT: 270px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://3.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/TFYVJ1Y_-pI/AAAAAAAAAiE/DYLd5vIZ3pQ/s320/20-unusual-churches-p1-caldari.jpg" border="0" /></a><br />Cuando estudiamos la evolución de los estilos artísticos en arquitectura, resulta sintomático que, en lo que a la arquitectura contemporánea se refiere, encontremos pocos ejemplos notorios dentro de la tipología religiosa. Pero eso no significa que no haya habido aportaciones de interés. </div><p align="justify">El período de entreguerras asistió al desarrollo del Expresionismo, aplicado, básicamente, a las artes plásticas (pintura y escultura). Las características del movimiento hacían poco viable un desarrollo de esos mismos presupuestos en la construcción de edificios. Sin embargo, y pese a lo que pudiera parecer, sí tenemos algunos ejemplos de arquitectura expresionista. Ejemplos quizá aislados, curiosos, caprichosos si se quiere, pero, en cualquier caso, testimonios de una época y de una sensibilidad muy concreta.</p><p align="justify">El Expresionismo fue un movimiento especialmente relevante en los países del norte de Europa. No es casualidad, por tanto, que sea en Dinamarca donde encontremos el ejemplar más destacado de arquitectura religiosa expresionista. Se trata de la <a href="http://lh5.ggpht.com/_tPxihH1M04s/SW7dlHji9SI/AAAAAAAACTQ/jdFoHuKWEfk/DSC08904_edited-1.jpg">Iglesia de Grundtvig</a>, en Copenhague, construida entre 1921 y 1926 por Peeder y Kaare Klint. La fachada reproduce la estructura de un gran órgano de ladrillo que alcanza los 49 metros de altura. La finalidad del edificio queda clara al provocar en el espectador una reacción inmediata en la que priman los sentimientos sobre la razón, y la arquitectura está plenamente sometida, según vemos, a la expresividad de todos y cada uno de los elementos constructivos. Incluso la ubicación de la iglesia, con una calle marcando la perspectiva de la fachada principal, es claramente intencionada y busca esa misma respuesta en el espectador, que se verá sorprendido por la presencia de aquella gran y extraña mole de ladrillo.</p><p align="justify">Siguiendo los pasos de esta singular obra nos encontramos con la figura de otro arquitecto nórdico, como es Guðjón Samúelsson (1887-1950), de origen islandés. Él es el áutor de la portentosa iglesia que encabeza esta entrada, la Hallgrímskirkja de Reykjavik (Islandia). Comenzó a levantarse en 1948, cuatro años después de conseguir Islandia la independencia de Dinamarca. No resulta extraño, por tanto, que para levantar este edificio sirviera de inspiración la obra de un arquitecto danés, de modo que, a pesar de que se comenzara a edificar 20 años después, las conexiones resultan más o menos claras. Hay que matizar, no obstante, que este ambicioso proyecto no sería terminado en su totalidad hasta 1986. Aún así, el aspecto es bastante unitario, y todo parace indicar que se siguieron con relativa fidelidad las trazas del proyecto original de su autor, fallecido tan sólo dos años después de comenzarse los trabajos en el centro de la capital islandesa. De planta de salón y una única nave, la iglesia viene a ser una adaptación contemporánea de los templos germánicos y nórdicos de la Baja Edad Media. Una interpretación de la <em>hallenkirchen </em>alemana en la que sobresale una fachada sumamente original de la que su torre es absoluta e indiscutible protagonista con sus 75 metros de altitud, siendo el edificio más alto del país y una seña de identidad de la ciudad, sobre la que planea orgullosa, destacándose sobre un caserío de poca altura, y siendo visible prácticamente desde cualquier punto de Reykjavik.</p><div align="justify">Aunque más de la mitad de la población islandesa se asiente en la capital, encontramos otro núcleo urbano de relativa importancia en el norte de la isla. Nos referimos a Akureyri, ciudad en la que Samúelsson construyó su iglesia mayor, la llamada <a href="http://pallijoh.blog.is/img/tncache/700x700/5b/pallijoh/img/akureyrarkirkja.jpg">Akureyrarkirkja</a>. Terminada en 1940, es por tanto anterior al edificio antes analizado, y en ella acusamos más influencias de la arquitectura internacional. Por ello observamos un diseño más racionalista, pero en todo caso estamos igualmente ante un edificio singular y sorprendente.</div><div align="justify"> </div><div align="justify"></div><div align="justify">Podríamos destacar más trabajos de este interesante aunque poco conocido arquitecto, algunos de ellos dentro de la arquitectura civil, pero hemos preferido destacar sus obras religiosas, por constituir ejemplos insólitos en su época. Para terminar, citaremos la <a href="http://www.picturesfromiceland.com/images/icel096.jpg">Landakotskirkja</a>, la catedral católica de Reykjavik, Mucho más conservadora en sus planteamientos, la obra es anterior a las dos anteriormente citadas. Concretamente se trata de un templo terminado en 1929, y obedece a una estética claramente neogótica, lo cual nos hace ver la influencia medieval antes anotada, tan presente en Europa Septentrional en todas las épocas. </div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-47190447527761784912010-07-24T00:14:00.001+02:002017-09-09T23:19:47.208+02:00Banksy, jugando con el entorno<a href="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/TEmHxocIBVI/AAAAAAAAAh8/nuNcyUj4pI0/s1600/banksy.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5497074106921125202" src="https://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/TEmHxocIBVI/AAAAAAAAAh8/nuNcyUj4pI0/s320/banksy.jpg" style="display: block; height: 205px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 320px;" /></a><br />
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Hoy vamos a hablar de un artista misterioso. Sólo sabemos su apodo. Desconocemos su nombre real, su aspecto, e incluso su año de nacimiento. Bansky es únicamente el pseudónimo utilizado por un graffitero británico cuya popularidad ha sido tal que incluso se han realizado exposiciones y retrospectivas sobre su obra. Se cree que nació en 1974, pero pese a ser un artista joven y contemporáneo, poco o nada conocemos sobre su vida. Sí sobre su obra, contestataria y rebelde, fijada en los muros de ciudades como Londres o Bristol, de donde se supone que es originario. Su actividad creativa comienza a finales de los 80 y principios de los 90 del siglo XX, época en la que el mundo del graffiti está en continua efervescencia, especialmente en los países de la órbita occidental.<br />
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Aunque en los últimos años comienza a cambiar la tendencia, es evidente que el arte urbano no ha gozado de un verdadero reconocimiento por parte de los especialistas en arte. Pero lo cierto es que artistas hoy muy cotizados fueron claros exponentes de esta manifestación cultural, muchas veces denostada por las admistraciones públicas, que veían, y aún hoy siguen viendo, lamentablemnete en muchos casos, actos de vandalismo más que expresiones de la cultura popular. Nombres como Haring (al que dedicamos una entrada en este blog), Basquiat o el artista que hoy nos trae hasta aquí son ejemplos de creadores especialmente dotados que no deberían pasar nunca desapercibidos, y pasar a las páginas de la historia del arte de nuestro tiempo. Quizás más que otros que ya están, y que pocos entienden. Al fin y al cabo, el Arte viene a ser un documento de su tiempo.<br />
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Bansky es un artista especialmente interesante, no sólo por su acertada gama cromática, no sólo por su elegente sentido de la composición. Ni siquiera por su temática, popular y social a un mismo tiempo, desenfadada y ácida a la vez. De él destacamos por encima de cualquier virtud su capacidad para interactuar con el entorno. Sus actuaciones no son invasivas, sino que logran integrarse en el muro de tal forma que parecen haber sido concebidas para estar ahí, constituyendo, en algunos casos, auténticos trampantojos, como el que vemos en la imagen de arriba, en la que una asistenta doméstica parece descubrir al espectador la verdadera naturaleza que tiene ante sus ojos.<br />
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Para entender mejor la obra de este sensacional y enigmático artista, veamos otros ejemplos:<br />
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Comenzamos con esta especie de <a href="http://lamarmitacora.files.wordpress.com/2008/05/banksy-pugh-spray.jpg">homenaje a los primeros graffitis de la Humanidad</a>, las pinturas rupestres del arte paleolítico. El artista nos plantea con fina ironía la posibilidad de que éstas se hubieran perdido de haber existido en aquella época organismos encargados de su eliminación, tal y como ocurre hoy día a muchos artistas callejeros.<br />
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En esta otra, un <a href="http://www.ohgrafico.com/wp-content/imagenes/banksy6.jpg">operario municipal</a> parece haber continuado pintando la doble línea continua de prohibición de aparcar para crear, con ese doble trazo, una gigantesca flor.<br />
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Aprovechando la existencia de un <a href="http://jerodelarosa.files.wordpress.com/2009/11/banksy-camera-girl-5.jpg">macetero junto a una pared</a>, Bansky sugiere en esta creación la sencilla historia de un gato y una niña, utilizando tan sólo el color negro.<br />
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Sirviéndose también del entorno, en esta otra imagen nos muestra la aparición de un <a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Banksy.on.the.thekla.arp.jpg/800px-Banksy.on.the.thekla.arp.jpg">esqueleto remando</a> en una pequeña barcaza.<br />
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En este otro caso, se trata de un trampantojo de un <a href="http://farm1.static.flickr.com/31/66572272_b6188ea42e.jpg">cajero automático</a> que intenta devorar a una niña, haciendo una ácida crítica al capitalismo más salvaje.<br />
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Esta curiosa instantánea nos viene a decir que incluso las <a href="http://4.bp.blogspot.com/_qYslek2yh0c/SKC3mIxVH3I/AAAAAAAAAqI/SZNkFCOT61c/s1600/pissing%2Bguard%2Bbanksy%2Bart%2Bstreet%2Bwall%2Blondon%2Bgrafitti.jpg">fuerzas de seguridad </a>son susceptibles de cometer algún altercado público, haciendo quizás alusión a su situación de artista no comprendido por las autoridades públicas.<br />
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Aquí, <a href="http://weblog.evasee.com/wp-content/uploads/2006/08/banksy%203.jpg">una chica salta a la comba</a>, cuya cuerda se extiende también por el suelo.<br />
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En este otro caso, aprovecha un hueco en la pared para colocar a un <a href="http://www.hypequest.com/media/banksy-artwork-london-2.jpg">pequeño </a><em><a href="http://www.hypequest.com/media/banksy-artwork-london-2.jpg">rapero</a> </em>al que no le falta ni la radio ni la cadena de oro.<br />
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Incluso <a href="http://www.diariothc.com/wp-content/Imagenes/09-2007/banksy3.gif">juega con obras de otros graffiteros</a> para crear obras nuevas en als que no falta el sentido del humor y, como siempre, la ironía.<br />
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Muchos, muchos más ejemplos podríamos poner. Pero para no ponernos pesados, dejamos por aquí estos, y animamos a todos a que descubran el resto.<br />
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Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-87881883414554398612010-05-08T10:50:00.006+02:002010-05-08T11:14:12.833+02:00Urbanismo Medieval en la ciudad de Sevilla<div align="justify"><a href="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S-UmMJtyppI/AAAAAAAAAgA/CQEOgVlWZyE/s1600/Abril+2010+047.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5468819312719603346" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 240px; CURSOR: hand; HEIGHT: 320px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S-UmMJtyppI/AAAAAAAAAgA/CQEOgVlWZyE/s320/Abril+2010+047.JPG" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify">Aunque la foto tiene casi un mes, nunca es tarde si la dicha es buena. Y es que el pasado 12 de Abril tuvo lugar una visita al centro de Sevilla con los alumnos y alumnas de la ESA (Educación Secundaria de Adultos) del IES "Federico Mayor Zaragoza" de Sevilla. Los objetivos iban enfocados fundamentalmente al reconocimiento del urbanismo medieval de la ciudad, así como de algunos de los vestigios más importantes que del pasado islámico se conservan en todo el casco antiguo.</div><br />La actividad tuvo su punto de partida a las 17:00 en la Puerta de Jerez. Desde allí, nos encaminamos a la Torre del Oro, que formó parte del recinto amurallado, consituyendo un destacable elemento defensivo en la ribera del Guadalquivir durante la época almohade. Pudimos seguir después la trayectoria del muro que enlazaba con el recinto del Alcázar, pasando por la Torre de la Plata y la Torre de Abdelazis. Una vez en el Patio de Banderas, que podéis ver en imagen, tuvimos la oportunidad de realizar un laberíntico paseo por las calles de los barrios de Santa Cruz y la Judería. Ambos nos ofrecen testimonios certeros del urbanismo medieval, y más específicamente islámico, visible por el entramado irregular, las calles estrechas y la presencia de adarves o calles sin salida, que explican el carácter privado que para los musulmanes tenía la vivienda, normalmente con pocas aberturas al exterior. Volvimos a la zona monumental a través del también interesante barrio de la Alfalfa, para ver los restos que de la antigua mezquita almohade conserva la Catedral de Sevilla. Estos son visibles no sólo en el imponente alminar de finales del siglo XII que le sirve de campanario (añadido por Hernán Ruiz en 1568) sino también el llamado patio de los naranjos, primitivo sahn (patio para abluciones) de la mezquita. Desde allí nos fuimos a la Iglesia del Salvador, para poner en práctica la misma teoría, pero en este caso a través de lo que fue la más antigua Mezquita de Ibn Adabbas, que conserva igualmente restos en el patio, así como en el primer cuerpo del alminar. En uno y otro caso observamos cómo las distintas civilizaciones van superponiéndose en los recintos sagrados para dejar buena muestra de su poder, en este caso a través del elemento religioso.<br /><br />El día se comportó con nosotros y pasamos un rato ameno a la par que relajado. Como colofón a tan cultural tarde, nos tomamos un par de cervezas en la Plaza del Salvador, que tan bien recibe siempre a propios y extraños en sus dos fantásticas bodeguitas.<br /><br />En la imagen, un momento de nuestro recorrido: La Giralda desde el Patio de Banderas. De izquierda a derecha: Emilio, Rafa, Marcos, José Manuel, Rocío, Gonzalo y Mercedes.<br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-86719838986254443312010-04-30T17:26:00.000+02:002010-04-30T19:50:05.020+02:00Delvaux sueña en silencio<div style="text-align: justify;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S9mnyAQaaCI/AAAAAAAAAeU/beZ8n2wWE0U/s1600/mermaids.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 320px; height: 264px;" src="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S9mnyAQaaCI/AAAAAAAAAeU/beZ8n2wWE0U/s320/mermaids.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5465584100294944802" border="0" /></a>El mundo de los sueños, que tanto interpretó el Surrealismo a nivel pictórico, escultórico, literario e incluso cinematográfico a partir de la década de los años 20 del pasado siglo, tuvo en su época un digno y curioso representante en Paul Delvaux (1897-1994). De nacionalidad belga, y aunque comenzó siendo un pintor de tendencia expresionista, pronto se sintió influenciado por su compatriota René Magritte, autor adscrito al Surrealismo desde sus comienzos, allá por 1926. Magritte, que juega en no pocas ocasiones con el juego de las apariencias y los equívocos, fue un punto de referencia para que Delvaux creara obras como <a href="http://www.colleges17.org/mi-la-rochelle/evaweb/IMG/jpg_paul_delvaux_gallery_11.jpg"><span style="font-style: italic;">Mujer ante el espejo</span></a> o <a href="http://lmaclean.ca/LisaMacLean/nfblog//__HOMEDIR__/www/LisaMacLean/nfblog/wp-content/uploads/2007/03/Delvaux,%20The%20Birth%20of%20the%20Day.jpg"><span style="font-style: italic;">La Aurora</span></a>, por citar sólo unos ejemplos. Si nos fijamos, el tratamiento del cuerpo desnudo, especialmente el femenino, es una de las constantes temáticas repetidas con insistencia a lo largo de su evolución creativa. Observamos cómo las mujeres pueblan unos paisajes oníricos, nocturnos la mayor parte de las veces (enfatizando así la idea del sueño), y en todos ellos parece percibirse la presencia de algo tan etéreo como el silencio.<br /><br />En efecto, los personajes de Delvaux no parecen hablar, sino deambular por un paisaje normalmente desolado y hostil en el que las estaciones de ferrocoarril, por un lado, y los edificios clásicos, por otros, parecen servir de marco a las silenciosas escenas. Es quizás en esta extraña capacidad para reproducir los silencios donde reside parte del encanto de este pintor, cualidad esta que comparte con el pintor italiano Giorgio de Chirico, en el que el recuerdo a la arquitectura grecolatina es también una constante.<br /><br />Consideramos que la producción artística de Delvaux es sumamente interesante, y que el hecho de que quede eclipsado por otras figuras del Surrealismo como Dalí, Miró, Magritte o Ernst no debe ser un obstáculo para seguir profundizando en su mundo, en su fantástico e intangible mundo.<br /><br /><a href="http://www.ricci-arte.com/es/Paul-Delvaux.htm">Galería de imágenes de Paul Delvaux</a><br /><a href="http://www.delvauxmuseum.com/"><br />Web del Museo Paul Delvaux</a><br /><br /><br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-66826541866251370182010-04-13T13:21:00.009+02:002010-04-13T14:00:45.236+02:00El sueño de Marc<a href="http://4.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S8RUU1E2P8I/AAAAAAAAAeM/WIUSH07-39E/s1600/0155-0103_der_traum.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5459581365101412290" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; CURSOR: pointer; HEIGHT: 238px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S8RUU1E2P8I/AAAAAAAAAeM/WIUSH07-39E/s320/0155-0103_der_traum.jpg" border="0" /></a><br /><div style="TEXT-ALIGN: justify" align="justify"><br />Franz Marc (1880-1916) es uno de los pintores más destacados del Expresionismo. Movimiento artístico y cultural de gran vigencia durante el llamado período de Entreguerras, tuvo especial importancia en los países del norte de Europa. El caso más significativo fue el de Alemania, donde se fraguaron dos de los movimientos más conocidos del Expresionismo, como son <em>Die brück</em> (El Puente) y <em>Der blaue reiter</em> (El Jinete Azul). Este último fue fundado en Múnich en el año 1911 por Wassily Kandinsky y Fran Marc, formando parte del mismo pintores como August Macke, Paul Klee o Gabriele Munter, entre otros. Las diferencias existentes entre los pintores de El Puente y los de El Jinete Azul estriba principalmente en un tratamiento más dramático de los personajes y las temáticas en el primer caso, lo que se traduce también en una pincelada más vigorosa, más gruesa, más matérica. Por contra, los pintores de El Jinete Azul nos muestran una cara algo más amable, en la que el color cobra más protagonismo, entre otras cosas porque muchos de sus integrantes sentían cierta atracción por movimientos artísticos coétaneos, más experimentales desde un punto de vista más formal que temático, como son el Cubismo y el Fauvismo.<br /><br />Estas dos influencias, Fauvismo y Cubismo, se integran de forma magistral en uno de los pintores más <em>amables</em> del grupo expresionista, como es Franz Marc. En sus cuadros predominan los colores primarios, saturados, llenos de fuerza, que nos transmiten vitalidad y un sentimiento de admiración por la naturaleza. Así, la temática se centra especialmente en paisajes de bosques y selvas en los que habitan caballos, zorros, tigres o vacas. Resulta muy curioso, y también muy característico del autor, el hecho de que se haya utilizado el color de una forma totalmente arbitraria, algo que nos remite directamente al Fauvismo, ya avanzado, en cierto modo, por Paul Gauguin, del que estuvimos hablando en la anterior entrada.<br /><br />La conjunción de todos estos elementos dan como resultado unas obras vitalistas, llenas de vida, que en cierto modo constituyen un soplo de optimismo, al menos si establecemos una comparación con otros pintores expresionistas de su misma época.<br /><br />En la imagen: <em>El sueño</em>, 1912, Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)<br /></div><br /><embed src="http://www.youtube.com/v/ge4TNbO7kew&hl=" width="480" height="385" type="application/x-shockwave-flash" fs="1&color1=" color2="0xfebd01" allowfullscreen="true" allowscriptaccess="always"></embed>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-63911209580627558692010-02-28T21:27:00.000+01:002010-02-28T21:31:56.354+01:00Un pintor en Tahití<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S35nxCHNNNI/AAAAAAAAAd0/cykgAXTQuOA/s1600-h/4DPict.jpeg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5439899491988485330" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 320px; cursor: pointer; height: 251px; text-align: center;" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S35nxCHNNNI/AAAAAAAAAd0/cykgAXTQuOA/s320/4DPict.jpeg" border="0" /></a><br /><div align="justify">Paul Gauguin (1848-1903) fue uno de los pintores más atrevidos de finales del siglo XIX, y ocupa un lugar destacado en la Historia del Arte no sólo por su producción artística, sino también por la influencia que ésta ejerció sobre movimientos artísticos posteriores. Él es uno de los llamados postimpresionistas. Un creador que, partiendo del Impresionismo, logró crear un estilo propio, un sello inconfundible, hasta conformar algo totalmente novedoso y alejado de todo lo que el resto de los artistas de su tiempo realizaban.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Gauguin era sin duda un personaje peculiar. Cansado de su trabajo en la banca y del ruido de la gran ciudad, huirá de París en diferentes ocasiones hasta que por fin se dedique en cuerpo y alma a la tarea de pintar. Fruto de esas escapadas tenemos los cuadros de temática simbolista y religiosa realizados en Bretaña, como <em><a href="http://www.culturageneral.net/pintura/cuadros/jpg/cristo_amarillo.jpg">El cristo amarillo</a></em> y <em><a href="http://contenidos.educarex.es/mci/2004/44/@rt.com/Impresionismo_y_postimpresionismo/images/Gaugin_Vision_despues_del_sermon_jpg.jpg">La visión después del sermón</a></em>. Vinculado por siempre a Vincent van Gogh, en cuya casa de Arles pasó una temporada y de la que quedan muestras tan emocionantes como el <em><a href="http://tienda.artehistoria.net/tienda/banco/jpg/GAV00297.jpg">Retrato de Van Gogh pintando girasoles</a></em>, Gauguin se especializó en dotar a sus obras de un extraordinario colorido, donde los amarillos y los rojos brillan saturados, potentes. No le importó lo más mínimo ir alejándose de la reproducción mimética de la realidad, y así se explica que entre sus imágenes veamos árboles rojos, ríos verdes, caballos azules o cristos amarillos. Esta utilización arbitraria del color no pasó desapercibida después de su muerte, y fue retomada por diversos artistas, entre los que destacan especialmente los Fauvistas.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Su obra no hubiera sido la misma, sin embrago, si no se hubiera acercado con la sinceridad de un niño a culturas exóticas de los confines del mundo. Logró alejarse del mundanal ruido, que tan poco le gustaba, cuando fijó su residencia en Tahití (Polinesia). Se introdujo de lleno en la cultura de los pobladores indígenas de la isla, llegando a titular los cuadros en la lengua autóctona de los personajes retratados. Este conjunto de obras pintadas en Tahití resulta insólito y lleno de calidad. Nos muestra a un Gauguin completamente original, lleno de luz, de color, y en cada cuadro, en cada imagen, hay un símbolo que leer. Puesto que no se trataba únicamente de dejar constancia de lo que se veía. Había nacido el Arte Contemporáneo.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">En la imagen: <em>Arearea<br /><br /></em></div><p><em><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/zWqC_KxAp84&hl=es_ES&fs=1&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/zWqC_KxAp84&hl=es_ES&fs=1&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object></em></p><p> </p><p><em></em> </p><p><em></em> </p><div align="justify"><br /><br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-91989508401976855072010-02-14T13:56:00.004+01:002010-02-14T14:51:06.085+01:00Seurat es un puntazo<div align="justify"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S3fzkdZmTbI/AAAAAAAAAds/ZTsXKFS6m_E/s1600-h/Georges_Seurat_019.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5438082882765999538" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 255px; CURSOR: hand; HEIGHT: 320px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S3fzkdZmTbI/AAAAAAAAAds/ZTsXKFS6m_E/s320/Georges_Seurat_019.jpg" border="0" /></a><br /><br />Conforme avanzó el Impresionismo, hubo algunos pintores que, partiendo de dicho estilo, crearon nuevas visiones, más personales, tanto a nivel técnico como temático. Cabe destacar especialmente los logros del Puntillismo, representado fundamentalemnte por Paul Signac y Georges Seurat (1859-1891). Nos econtramos ante la versión más científica del Impresionismo, en donde la captación de los efectos lumínicos sobre los colores alcanza unas cotas de sofisticación nunca antes vistas, y en la que tiene mucha culpa la <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_del_color">teoría de los colores</a>, que será aplicada por los pintores puntillistas de una manera rigurosa y matemática.<br /><br />Como decimos, Signac y Seurat serán los más importantes representantes del Puntillismo (también llamado Divisionismo). Ambos compondrán sus cuadros a través de pequeños y casi imperceptibles puntos de colores puros, que son minuciosamente situados en el lienzo teniendo en cuenta las teorías de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Michel_Eug%C3%A8ne_Chevreul">Chevreul</a>, de forma que el espectador, al alejarse del cuadro, perciba cómo dichos puntos de color se funden en la retina para crear los efectos buscados. Sin duda alguna, el procedimiento era sumamente artesanal y requería de muchas horas de trabajo. Así se explica el escaso número de obras que conservamos de Seurat. A esto debemos añadir que se especializó en obras de gran formato, y que murió con tan sólo 32 años.<br /><br />Actualmente, algunas obras de Seurat son muy conocidas por el gran público. A la cabeza situamos <em><a href="http://parkwestgallery.files.wordpress.com/2009/12/grande-jatte.jpg">Tarde en la Grand Jatte</a></em> y <em><a href="http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/neoimpresionismo/imagenes/seurat_bano_asnieres.jpg">Baño en Asnières</a></em>. Si nos fijamos en estas obras, veremos cómo la espontaneidad que transmiten las obras impresionistas da paso a unas escenas de figuras monumentales, casi estáticas, que parecen haber sido colocadas en un paisaje bañado por la luz del mediodía. Se trata sin duda de otra visión, también interesante, que experimentará cierta evolución, tal y como vemos en <em>El circo</em>, que podéis ver más arriba, y en la que parece apreciarse cierto movimiento, a pesar de que las posturas resulten forzadas y artificiosas. Es evidente que los objetivos de Seurat no eran los mismos que los de Monet, Degas o Renoir, y de ahí lo diferente de sus resultados. Pero eso no significa que estemos ante un pintor de menor categoría. Antes al contrario, destacamos de él su moderna concepción del color aplicada a la pintura, y lo valoramos por haber abanderado un movimiento tan interesante como fugaz.<br /><br />Está claro que Seurat es todo un puntazo.</div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-45841808812231548612010-02-12T10:48:00.007+01:002010-02-12T11:44:44.968+01:00Berthe Morisot<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S3UlsQ9pNbI/AAAAAAAAAdc/6D8wjorbiZQ/s1600-h/35el-espejo-morisotb.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 264px; height: 320px;" src="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S3UlsQ9pNbI/AAAAAAAAAdc/6D8wjorbiZQ/s320/35el-espejo-morisotb.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5437293567517734322" border="0" /></a><br /><div style="text-align: justify;">Como bien sabemos, el número de nombres de mujeres artistas que conocemos es muy reducido si lo comparamos con el de hombres. Eso no significa que no las hubiera. A pesar de que en el Impresionismo siempre suenan con fuerza Monet, Degas, Sisley o Renoir, también hubo unas aportaciones femeninas sumamente interesantes, que dieron al estilo nuevos matices, no exentos de una sensibilidad y un enfoque ciertamente diferente al masculino.<br /><br />Así, pintoras como <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Eva_Gonzal%C3%A8s">Eva Gonzalès</a>, <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Marie_Bracquemond">Marie Bracquemond</a> o <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Mary_Cassatt">Mary Cassatt</a> brillan por méritos propios. Y entre ellas sobresale especialmente Berthe Morisot (1841-1895), privilegiada creadora que aplicó las novedades impresionistas no sólo a los paisajes al aire libre tan típicos del movimiento (en los que ella introduce, a veces, juegos infantiles), sino también a la representación de interiores, en los que despliega toda su exquisita sensibilidad, posicionándose como la más capacitada de entre todo este grupo en la captación de las escenas cotidianas, intrascendentes, que suceden en las habitaciones de una casa.<br /><br />En sus pinturas de interiores domésticos, Morisot nos suele mostrar a personajes femeninos realizando diversas tareas. Es evidente que el enfoque de estas escenas es sustancialmente distinto a la visión ofrecida por autores como Degas o Renoir, más interesados en la captación del desnudo femenino. Nuestra autora, sin embargo, aboga por unas mujeres pensantes, reflexivas, tanto si están leyendo como si se están cambiando de ropa. La sensación que la visión de este tipo de cuadros produce en el espectador es de sosiego y tranquilidad, algo a lo que ayuda una habitual luz clara que suele inundar las estancias, provocada por alguna ventana abierta (que a veces no vemos, pero intuimos), lo que le sirve a la pintora para mostrar la captación del momento inmediato típicamente impresionista, a la vez que nos habla de su virtuosismo técnico a la hora de manejar la gama del blanco y otros colores pastel.<br /><br />El resultado final es de gran encanto y pone a la pintora, como decimos, a igual altura que a sus contemporáneos.<br /><br />En la imagen, <span style="font-style: italic;">El espejo</span>, en el Museo Thyssen-Bornemisza<br /><br />Si pulsas<a href="http://www.abcgallery.com/M/morisot/morisot.html"> aquí</a> podrás ver una galería con algunas de las obras más representativas de Morisot.<br /><br />También puedes leer esta entrada en el blog <a href="http://nuevospapeles.blogspot.com/">Nuevos Papeles</a>, dedicado a la coeducación.<br /><br /><br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-64726434606440117782010-02-10T20:28:00.004+01:002010-02-10T21:06:30.905+01:00El almuerzo de los remeros<div align="justify"><a href="http://4.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S3MJRFjaP8I/AAAAAAAAAdU/FoNHiufZ0aE/s1600-h/almuerzo-de-remeros-2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5436699364319444930" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 320px; height: 232px; text-align: center;" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S3MJRFjaP8I/AAAAAAAAAdU/FoNHiufZ0aE/s320/almuerzo-de-remeros-2.jpg" border="0" /></a><br /><br />Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) es uno de los pintores que conformó el grupo de los Impresionistas. Como todos ellos, tuvo en los contrastes lumínicos una de sus características más acusadas. Ello lo podemos ver en obras tan conocidas como el <em><a href="http://www.unizar.es/idiomas/frances/moulin-galette.jpg">Baile en el Moulin de la Galette</a></em>, en donde apreciamos cómo la luz se filtra a través de los árboles para crear los deseados efectos de luz sobre los numerosos personajes que componen la escena, que nos habla de los divertimentos ociosos de la burguesía parisina del último tercio del siglo XIX. En su producción destaca la luminosidad con la que se acerca a la representación del cuerpo humano, especialmente el femenino, que será abordado con regularidad hasta el final de sus días.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">A pesar de su inicial militancia en el Impresionismo, cuando las propuestas del estilo comiencen a agotarse y sus integrantes se dispersen, Renoir tomará un camino en el que, más que evolucionar en la depuración de las formas y los contornos de las figuras, optará por una vuelta al clasicismo, de forma que retomará el dibujo, que tan en segundo plano había quedado en algunas de sus obras. En este cambio ejerció una notable influencia un viaje a Italia, que le hizo descubrir la magia del Renacimiento. Este cambio de rumbo lo podemos ver en <em><a href="http://www.epdlp.com/fotos/renoir4.jpg">Los paraguas</a></em>, fechado en 1885, pero incluso antes podemos apreciar esa paulatina vuelta a los presupuestos más clásicos. Un ejemplo puede ser <em>El almuerzo de los remeros</em>, una de sus obras más populares, en la que parecen fundirse Impresionismo y Clasicismo a partes iguales. Temáticamente, Renoir recurre aquí nuevamente a los momentos de relax de la sociedad de su tiempo, y nos muestra una escena cotidiana y llena de encanto que además supone un estudio psicológico de cada uno de los personajes retratados, que interactúan entre ellos en torno a una mesa repleta de manjares y bebidas.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Os dejo por aquí un fragmento de una hermosa película, "Amèlie", en donde podemos ver un curioso análisis de esta obra, a través de un anciano que lleva años reproduciéndola. Es consciente que cada vez que la pinta, las expresiones de los personajes varían, pero se siente incapaz de explicar qué es lo que siente la niña que, al fondo, eleva su vaso hacia la boca. ´Dicha secuencia la podéis ver nada más pulsar el "play"<br /><br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify"><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/wwQPKl9AxNo&hl=es_ES&fs=1&color1=0x234900&color2=0x4e9e00"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/wwQPKl9AxNo&hl=es_ES&fs=1&color1=0x234900&color2=0x4e9e00" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object></div><div align="justify"> </div><div align="justify"><br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-51411594392450047752010-02-09T21:19:00.002+01:002010-02-09T22:05:14.853+01:00Folies-Bergère<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S2k_48-yMoI/AAAAAAAAAdM/-TYx02CMZjQ/s1600-h/bar_folies_bergere.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5433944673073902210" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 320px; cursor: pointer; height: 240px; text-align: center;" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S2k_48-yMoI/AAAAAAAAAdM/-TYx02CMZjQ/s320/bar_folies_bergere.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify">Algunos estudiosos no consideran que Edouard Manet (1832-1883) sea un pintor impresionista, sino que más bien sirve de enlace entre el Realismo representado ejemplarmente por Gustave Courbet y el Impresionismo que tan bien nos muestra Claude Monet. Dado que a veces las eiquetas no hacen sino entorpecer el verdadero análisis de la obra artística e incluso limitan el conocimiento y el acercamiento que como espectadores tenemos que tener a ellas, nos centraremos en hablar de este pintor como un fiel exponente del arte de su tiempo, a nivel técnico, compositivo y temático.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Manet es un pintor excepcional. Pese a aparecer vinculado al Impresionismo, que como tal constituye la primera de las vanguardias artísticas que desde finales del siglo XIX azoten el hasta entonces acomodaticio panorama artístico europeo, nos encontramos ante un artista profundamente enamorado de la pintura de los garndes maestros del Renacimiento y especialmente del Barroco. Esto no es nada nuevo, y habría que recordar que los grandes pintores del arte contemporáneo se han acercado a los maestros para aprender de ellos, y desde ahí, evolucionar hacia nuevas ideas. En este caso, tendríamos que hacer mención a las viajes realizados a Holanda, Italia o España para conocer a los clásicos en sus museos. Fruto de estas visitas son obras como <a href="http://www.profesorenlinea.cl/imagenbiografias/manet006.jpg"><em>El niño con la espada</em></a><em>, </em><a href="http://communitas.princeton.edu/blogs/wri152-3/pbernick/archives/Dead%20Toreador%20%281864%29.jpg"><em>El torero muerto</em></a><em> , </em><a href="http://www.infoartedigital.com/arte/imagenes/manet/lola.jpg"><em>Lola de Valencia</em></a> o <a href="http://usuarios.multimania.es/kalcaran/hpbimg/el%20pifano%20de%20manet.jpg"><em>El pífano</em></a>, en las que denota una acusada influencia del barroco español.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Tanto las obras antes citadas como otras tan famosas como <em><a href="http://www.epdlp.com/fotos/manet3.jpg">Olimpia</a></em> o <a href="http://www.travelnauta.com/wp-content/uploads/2008/10/almuerzo-sobre-la-hierba-manet.jpg"><em>El almuerzo sobre la hierba</em> </a>son anteriores al nacimiento oficial del Impresionismo en el año 1872. Pero ya va dando muestras de un creciente interés por intentar captar lo esencial y lo espontáneo, claves en la consolidación de dicho estilo. Así, cuando Manet, Renoir, Degas o Sisley salgan a pintar a los alrededores de la ciudad de París para captar la impresión causada por la incidencia de los fenómenos atmosféricos en la naturaleza, Manet hará tmabién lo propio, y así podemos verlo en sus visiones sobre <a href="http://www.1st-art-gallery.com/thumbnail/68732/1/Claude-Monet-Working-On-His-Boat-In-Argenteuil-1874.jpg">Argenteuil</a>.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Sin embargo, un recorrido por su producción nos hará recapacitar sobre cuáles son los temas más queridos por el pintor, y nos daremos cuenta que se mueve más cómodo cuando retrata la sociedad de su tiempo. Esto es algo de lo que tampoco escapan algunos de sus contemporáneos. De hecho, Degas o Renoir tienen obras de temática social. Manet ya había apuntado maneras en la década de los '60 al atraverse a retratar a prostitutas bien conocidas del París más bohemio. En cierto modo, adelanta uno de los temas que más cautivará al gran Toulousse-Lautrec. He querido ilustrar esta entrada con una de las últimas obras realizadas por Manet. <em>El bar de Folies-Bergére</em> es quizás una de sus mejores obras, por la emoción que transmite, por la exquisita composición y por el sugerente tratamiento cromático. Terminado en 1882, este lienzo es toda una radiografía social del ambiente nocturno de la bohemia parisina. Ante el espectador se sitúa una joven camarera apoyada sobre una mesa. El espejo que se dispone tras ella sirve para dar profundidad a la escena y para dar las claves ambientales del momento que pretende captarse, pero además facilita que nos adentremos en la situación. A pesar de que la escena está espléndidamente reflejada, y en ella podemos apreciar incluso hasta el humo del tabaco, lo verdaderamente interesante de esta sensacional pintura es el contraste existente entre la relajación de los clientes del bar y la expresión ensimismada de la protagonista, que dirige su mirada hacia el infinito mientras un cliente tocado con sombrero (esto lo vemos a través del espejo) parece pedirle una bebida. Lo que Manet intenta sugerirnos es que nos centremos en la camarera, que tratemos de comprender el porqué de su soledad, la razón de su melancolía. Es tan grande, tan inolvidable esta pintura, que con tan sólo un poco de imaginación trataremos de responder la razón de esas preguntas.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Para terminar, os propongo este bonito vídeo en que se aprecian interesantes primeros planos de algunos de los personajes de Manet:<br /><br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify"><object width="560" height="340"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/oAEF9ookbJs&hl=es_ES&fs=1&"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/oAEF9ookbJs&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="560" height="340"></embed></object></div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-67794130961910898132010-02-01T23:24:00.005+01:002010-02-02T00:05:22.436+01:00Bonjour, Monsieur Courbet<div align="justify"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S2dVBAFX1DI/AAAAAAAAAdE/sJMeJDrxiRw/s1600-h/courbet-incontro.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5433404951136556082" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 320px; height: 284px; text-align: center;" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S2dVBAFX1DI/AAAAAAAAAdE/sJMeJDrxiRw/s320/courbet-incontro.jpg" border="0" /></a><br /><br />Gustave Courbet (1819-1877) es uno de los pintores más completos y heterogéneos de su tiempo. Tocó prácticamente todas las temáticas, y con una calidad técnica que incluso resulta un tanto complejo establecer cuáles son sus mejores obras, porque en cada una de ellas podemos observar destellos de genialidad. Anticipa, en cierto modo, al Impresionismo, y sirve de puente entre el Realismo y dicho movimiento. Diríase que él sería el último realista, y Manet el primer impresionista. Entre uno y otro pintor no existen tantas diferencias como cabría pensar.<br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">A pesar de que, como decimos, tenga en su haber pinturas de una notable calidad, voy a destacar este lienzo, en principio menor dentro de su producción, pero lleno de encanto, y, en cierto modo, revelador de una nueva forma de pintar que no tardaría en popularizarse. Si antes de detenernos en ella, nos paramos brevemente en <em><a href="http://www.oni.escuelas.edu.ar/2006/GCBA/1158/courbe2.jpg">El taller</a></em>, observaremos al pintor autorretratado mientras ejecuta un paisaje en el interior de su estudio, en el que también apreciamos una mujer desnuda, que hacía las veces de modelo para sus creaciones. Aunque esta pintura, de gran formato, esté fechada en los mismos años que la obra que hoy queremos analizar, hay diferencias evidentes en la intencionalidad del artista, pues mientras que el <em>El taller</em> parece querer mostrarnos su oficio según una perspectiva tradicional, en este curioso cuadro, titulado <em>Bonjour, Monsieur Courbet</em>, nos ofrece una nueva visión, mucho más moderna, en la que el pintor, que también se autorretrata, ha salido al campo cargado con algunos utensilios necesarios para la tarea de pintar. Courbet nos está aquí adelantando una nueva forma de trabajar, más cercana a la naturaleza, que será desarrollada por los Impresionistas que vengan después de él. Tiene además el acierto de darle categoría de acontecimiento a una escena en principio instrascendente, espontánea si se quiere, en la que toda acción se reduce a un encuentro fortuito entre el artista y un coleccionista de arte en medio de una campiña, en la que además no falta un tratamiento de las luces y las sombras verdaderamente sorprendente.<br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">Una pintura encantadora. Desde que la ví por vez primera en mis años de facultad, al verla, sonrío y digo en voz baja... <em>Bonjour, Monsieur Courbet</em>...<br /><br /><br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-37017843918057576262010-01-31T22:54:00.001+01:002010-02-01T23:21:08.174+01:00El pintor del proletariado<div align="justify"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S2dNqbJOqFI/AAAAAAAAAc8/Zw5srGOZves/s1600-h/daumier.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5433396866682103890" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; CURSOR: hand; HEIGHT: 245px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S2dNqbJOqFI/AAAAAAAAAc8/Zw5srGOZves/s320/daumier.jpg" border="0" /></a><br /><br />Honoré Daumier (1808-1879) es uno de los mejores exponentes del Realismo en pintura. Se trata de un movimiento cultural que apuesta por atender las necesidades de la clase trabajadora, en creciente expansión a causa de los progresos derivados de la industrialización. Dichos progresos no vinieron acompañados necesariamente de unas mejores condiciones de vida para las clases más desfavorecidas, que vieron sin embargo que su situación en las ciudades era precaria a nivel económico y que apenas tenían derechos como obreros de las grandes fábricas que proliferaban en los más importantes núcleos industriales. El siglo XIX es por tanto el contexto del nacimiento del movimiento obrero, como respuesta a la situación que vivía el proletariado urbano. Es también el momento en el que nace el Realismo como una corriente cultural que reflejará la situación de un estrato social que hasta entonces había pasado desapercibido, cuando no olvidado, en las grandes corrintes artísticas.<br /><br />Parece que, tras las ensoñaciones románticas, se hacía necesario un acercamiento a la realidad, a lo tangible. Y será cuando los obreros, los campesinos y la gente anónima pase a ocupar un papel protagonista en no pocas creaciones literarias, escultóricas o pictóricas. En el caso de la pintura realista, podemos citar el nuevo tratamiento que sobre el paisaje hará <a href="http://www.pintoresfamosos.cl/obras/europea/corot-1.jpg">Camille Corot</a> , pero también detenernos en el emocionante acercamiento que hace <a href="http://3.bp.blogspot.com/_oRPTJzykU24/SEQAET8LhaI/AAAAAAAAAL8/kYbw5p1XSJU/s400/Jean-Francois-Millet-Angelus-45112.jpg">Jean-François Millet</a> al mundo del campesinado. Cerraríamos esta lista con Gustave Courbet, del que hablaremos en la próxima entrada, y Honoré Daumier, al que dedicamos la de hoy.<br /><br />Quizás pocos como Daumier para resumir con unas breves pinceladas la situación del proletariado. Con una técnica aparentemente descuidada, fruto probablemente de su afición al grabado, técnica que cultivará con mayor incidencia en los últimos años de su vida a causa de sus problemas económicos, nos ofrece una galería de personajes sumamente interesantes a pesar de que su catálogo pictórico no sea demasiado amplio. Y es que si nos centramos en tan sólo tres obras de este pintor, sabremos comprender hasta qué punto los presupuestos artísticos vigentes durante los últimos años parecían empezar a cambiar, y los temas iban centrándose, poco a poco, en la gente de a pie. Sólo así se explica, por ejemplo, la existencia de una obra como <em><a href="http://www.vggallery.com/visitors/major/navarro/images/02_07.jpg">El vagón de tercera clase</a></em>, una de las más reveladoras del estilo, y en la que los pobres ocupan la atención del espectador, quedando la burguesía de espaldas y en un premeditado segundo plano. Sólo así comprendemos el cariño con el que se acerca a la mujer trabajadora de su tiempo, como podemos ver en <a href="http://www.insht.es/InshtWeb/Contenidos/Documentacion/TextosOnline/Erga_online/Galeria/Imagenes/SXIX/DaumierBlanchisseuse.jpg">La lavandera</a>. Ante esa situación de desamparo por parte de los poderosos, sólo cabía una respuesta común, que era la de hacer frente, a veces de forma contundente. Y esa reacción del pueblo es la que podemos apreciar en <em>La huelga</em>, pintura que encabeza esta entrada, y que resume a la perfección, desde un punto de vista artístico pero también histórico, todo aquello que venía pasando a mediados del siglo XIX.</div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-21494709671322209242010-01-24T16:25:00.002+01:002010-01-24T16:44:27.390+01:00Tempestades<a href="http://4.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S1bMZZLCvoI/AAAAAAAAAcs/oLKFMheCr0Y/s1600-h/4DPictCAGTDIPF.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5428751137467711106" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 320px; height: 238px; text-align: center;" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S1bMZZLCvoI/AAAAAAAAAcs/oLKFMheCr0Y/s320/4DPictCAGTDIPF.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div align="justify">En 1844, William Turner (1775-1851) sorprendía al mundo del arte con su obra <em><a href="http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1844_turner_rain_steam_speed.jpg">Lluvia, vapor y velocidad</a></em>. No sería la primera vez que se valiera de los fenómenos atmosféricos para dar rienda suelta a un sentido de la composición absolutamente novedoso. Dos años antes, en 1842, realizaría la obra titulada <em>Vapor en la costa de Harbour's Mouth durante una tormenta de nieve</em>, que ilustra esta entrada. Estas dos pinturas tienen algunos puntos en común que lógicamente se explican por la cercanía temporal que media entre una y otra.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Para entender la temática de estas obras tenemos que remontarnos a la Revolución Industrial que había liderado desde finales del siglo XVIII Inglaterra, país natal de este artista. Es por ello que no es difícil encontrar dentro de sus creaciones alusiones más o menos evidentes al progreso técnico, que si en esta obra queda ejemplificado a través de un barco de vapor, en otras se refleja a través de una locomotora de ferrocarril. No cabe duda que los avances industriales vinieron acompañados de una revolución en los medios de transporte. Se constata además que los pintores no quedaron al margen de estos avances, por lo que interpretaron a través de sus obras todo cuanto se estaba desarrollando a nivel industrial y tecnológico. Resulta sintomático que encontremos un mayor número de estaciones de ferrocarri, trenes o barcos de vapor que de fábricas, seguramente menos evocadoras del progreso, menos fotogénicas.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Turner es posiblemente uno de los primeros pintores que se acercó al mundo del progreso. Y lo hizo con una técnica novedosa que en cierto modo adelanta algunas de las constantes que luego se verán explotadas con el Impresionismo. La pincelada es totalmente suelta en sus últimas obras, y su dirección parece seguir, en esta caso concreto, la de la tempestad que amenaza con volcar el barco. En cierto modo, el autor parece querer ensalzar a la naturaleza más que al progreso, actitud típicamente romántica, sólo que aquí no se recrea únicamente en elogiar al paisaje, sino que introduce elementos contemporáneos. Para esta obra nos ofrece una composición espiral en la que el barco ocupa la posición central. Todo parece estar mínimanente esbozado, dejándose al espectador el privilegio de atisbar los elementos que componen la escena. La gama cromática se reduce básicamente a los grises y los ocres, creando una atmósfera llena de poesía y melancolía.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Uno de los pintores que mejor ha llevado al Arte el concepto de lo Sublime.<br /><br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify"><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/Bv4lDJZYfKk&hl=es_ES&fs=1&"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/Bv4lDJZYfKk&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object></div><div align="justify"> </div><div align="justify"><br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-76488977155970882962010-01-13T23:51:00.003+01:002010-01-14T01:10:36.027+01:00Enfermos mentales<div align="justify"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S05SQfY__gI/AAAAAAAAAcc/Zger0BA9hpA/s1600-h/Gericault.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5426365044285767170" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 258px; height: 320px; text-align: center;" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S05SQfY__gI/AAAAAAAAAcc/Zger0BA9hpA/s320/Gericault.jpg" border="0" /></a><br /><br />Si <em>La libertad guiando al pueblo</em> es la obra más popular de Delacroix, <em><a href="http://bloc.balearweb.net/resserver.php?blogId=563&resource=raft_of_the_medusa.jpg">La balsa de la medusa</a></em> lo es de Théodore Géricault (1791-1824), otro de los grandes pintores románticos franceses, cuya carrera, como vemos, se vio interrumpida relativamente pronto debido a su prematura muerte. Nos encontramos ante un típico artista romántico: atormentado, apasionado y tremendamente expresivo en sus creaciones. En efecto, al observar <em>La balsa de la medusa</em> podemos apreciar el gusto del artista por recalcar los aspectos más expresivos de los personajes, tanto a través de sus rostros como a través de sus cuerpos. En este sentido, tenemos que recordar que el extraordinario tratamiento anatómico que concede a los personajes de esta famosísima pintura tienen mucho que ver con un viaje realizado a Italia, donde quedó fascinado por la obra de Miguel Ángel, de tal forma que dichos personajes son tratados volumétricamente como si de esculturas se tratara.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Volumen y color parecen ser entonces dos de las preocupaciones básicas de este pintor. A ello se une un dibujo difuminado, que también veíamos en Delacroix, y un notable interés por la captación de los estados de ánimos de los personajes, a los que concede una fuerza expresiva de tal magnitud que los eleva a categoría de heróes, algo que por otra parte entronca de lleno con la tradición romántica.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">En este sentido, vale la pena subrayar el conjunto de retratos que realizó entre 1821 y 1824, en los años finales de su corta vida, y en los que trató de hacer una certera radiografía de las distintas expresiones de la locura. Este interés por acercarse a personajes anónimos y marginales nos recuerda a la serie que Velázquez le dedicó a los bufones y enanos de la Corte, así como a las <em>Pinturas Negras</em> de Goya, contemporáneas a estos retratos de locos, tan interesantes como apasionantes. La inspiración para realizar estas obras no fue casual, y para ello tomó como modelos a una serie de personas que se encontraban ingresadas en un asilo psiquíátrico. Contemplando estos retratos, podemos comprender que la intención de Delacroix no tenía una única motivación. Así, si por un lado quería hacer una galería de expresiones relacionadas con la locura, por otro quería elevar a estos personajes por encima de sus anónimas vidas, darles notoriedad, y dignificarlos como seres humanos. El acercamiento psicológico a ellos es apabullante, y la sinceridad que sus miradas esquivas nos transmiten resulta del todo emocionante, casi doscientos años después. Géricault los inmorttalizó de tal forma que hoy día aún parece que respiraran.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">En la imagen de más arriba podéis ver reflejada la monomanía del rapto de niños (aunque según los lugares y libros también aparece como el juego). Pero también podemos destacar la de la <a href="http://www.fisterra.com/human/3arte/pintura/temas/locos/images/0Loca%202%20Gericault.jpg">envidia</a>, el <a href="http://1.bp.blogspot.com/_sD9yQTE5QZQ/SBIAH53l4YI/AAAAAAAADJc/U2M-gA7ek7s/s1600-h/loco5.jpg">juego</a>, la <a href="http://arteyartistas.files.wordpress.com/2008/06/el-loco-asesino.jpg">cleptomanía</a> o la <a href="http://www.reproarte.com/files/images/G/gericault_theodore/0444-0053_ein_irrer_mit_mlitaerischem_groessenwahn.jpg">manía de la orden militar</a>. Todos ellos constituyen por sí solos espléndidos tratamientos, pero en su conjunto dan forma a una serie sumamente interesante y no lo suficientemente conocida.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Os sugiero una visita al fantástico blog <a href="http://aprendersociales.blogspot.com/2008/04/locos.html">Enseñ-Arte</a>, en el que se encuentra una interesante entrada dedicada a estos retratos.<br /><br /><br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-81530297666967402552010-01-11T23:30:00.006+01:002010-01-12T00:09:54.272+01:00La niña huérfana en el cementerio<div align="justify"><a href="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S0umuRgTtTI/AAAAAAAAAcU/c-MTOuXRsac/s1600-h/delacroix2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5425613490000999730" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 253px; height: 320px; text-align: center;" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S0umuRgTtTI/AAAAAAAAAcU/c-MTOuXRsac/s320/delacroix2.jpg" border="0" /></a><br /><br />La obra más conocida de Eugéne Delacroix (1798-1863) es sin género de dudas <em><a href="http://www.estudiocreativo.net/wp-content/uploads/2008/04/la-libertad-guiando-al-pueblo.jpg">La libertad guiando al pueblo</a>, </em>un lienzo que resume buen parte de la situación política de la Europa del siglo XIX, con las revoluciones burguesas en primer plano. Es, al mismo tiempo, el más clarificador ejemplo de que el sentimiento se había impuesto a la razón, y que el Neoclasicismo daba paso al Romanticismo, un movimiento cultural más volcado en las sensaciones y pasiones del ser humano. Es también una obra con un fuerte carácter simbólico. El emblema de una época.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify"></div><div align="justify">Pero Delacroix es más que esa famosa pintura. Y hemos de decir que entre sus obras encontramos un interesante conjunto de pinturas que nos hablan de su estancia en Argelia y del conocimiento que tuvo allí no sólo de las costumbres de sus habitantes, por entonces muy distintas a las de los burgueses europeos, sino también de la luz que el norte de África le proporcionaba, mucho más brillante y cegadora a la de su Francia natal. Fruto de ese viaje serán obras tan significativas como <em><a href="http://www.spanisharts.com/history/del_neoclasic_romant/imagenes/delacroix/quios400.jpg">La matanza de Quíos</a>, <a href="http://www.spanisharts.com/history/del_neoclasic_romant/imagenes/delacroix/mujeres_argelinas400.jpg">Mujeres de Argel</a></em> o <em><a href="http://web.educastur.princast.es/proyectos/jimena/pj_leontinaai/arte/webimarte2/WEBIMAG/SXIX/IMAGENES/PINTURA/ROMANT/dpostng.jpg">Los posesos de Tánger</a></em>.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify"></div><div align="justify">Al reparar en estas obras, nos llama la atención no sólo la temática que estas abordan, mucho menos sosegadas que las que había explorado el Neoclasicismo; tenemos también que fijarnos en los recursos técnicos, en ocasiones diametralmente opuestos a los utilizados por pintores anteriores como David o Ingres. Y es que mientras los pintores neoclásicos utilizaban un dibujo preciso y unas composiciones equilibradas, la respuesta de los románticos será una fuerte apuesta por composiciones mucho más abigarradas, acompañadas, como vemos, por un dibujo mucho más suelto que otorga al tratamiento del color un papel protagonista.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify"></div><div align="justify">A veces, toda la técnica de un pintor de primera categoría como es Delacroix asombra al espectador, y es por ello que algunas de las pinturas antes mencionadas sean tan famosas. Ello no debe alejarnos de otras que, aunque menos conocidas, nos muestran la misma calidad. Por ello quisiera hablaros brevemente sobre <em>La niña huérfana en el cementerio</em>, que nos ha servido para ilustrar esta entrada. De formato menor que la mayor parte de las obras de su autor, data de 1824. Técnicamente presenta una solución cromática muy interesante que parece dejar el color en un segundo plano, tal como dijimos antes. La composición es muy atractiva y moderna, pues nos deja al personaje en el centro del cuadro en una actitud en movimiento, de tal forma que parece querer mostrarnos el extracto de un acontecimiento cuya interpretación concede al espectador. El recurso expresivo de mostrarnos al personaje de una forma fugaz y casi casual se acerca, por su inmediatez y su espontaneidad, a la fotografía, antes incluso que esta disciplina comenzara a desarrollarse. La expresión de la niña, anónima protagonista de la pintura, ayuda a esa sensación, dejando un poso de misterio a su alrededor. El resultado final es muy sugerente, y nos brinda, en definitiva, una pequeña obra maestra.<br /><br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-68268229800231854502010-01-10T22:01:00.004+01:002010-01-10T23:03:14.223+01:00Bañistas de Ingres<a href="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S0pOeqr_1wI/AAAAAAAAAcM/rFT-GoLomLg/s1600-h/ingres6.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5425234989883053826" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 319px; CURSOR: hand; HEIGHT: 320px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S0pOeqr_1wI/AAAAAAAAAcM/rFT-GoLomLg/s320/ingres6.jpg" border="0" /></a><br /><div align="justify"></div><div align="justify"><br />Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) es otro de los grandes pintores del Neoclasicismo. En él se materializa el amor hacia el cuerpo humano heredado de la antigüedad clásica y también del Renacimiento. En él, la búsqueda del ideal de belleza, en este caso femenina, será una constante y una razón vital sin la cual no se entiende su pintura. Así, si repasamos su producción pictórica, y aunque haya otros temas (destacando los retratos realizados a la nobleza y la burguesía de la Francia de su tiempo), es en la representación de la mujer donde alcanza sus mejores resultados.</div><br /><div align="justify">Haciendo gala de un dibujo exquisito que roza la perfección, obras como <em>La bañista de Valpinçon, La pequeña bañista</em>, <em><a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d8/Jean_Auguste_Dominique_Ingres_005.jpg">La gran odalisca</a></em>, <em><a href="http://www.avizora.com/publicaciones/PINACOTECA/DOMINIQUE%20INGRES/ODALISCA%20Y%20ESCLAVO.jpg">La odalisca y la esclava</a></em> o <em>El baño turco</em> son una declaración de amor hacia la Belleza, plasmada a través del cuerpo de la mujer. De él dijo el poeta Charles Baudelaire: <em>"Una de las cosas que, en mi opinión distinguen ante todo el talento de Ingres es su amor por la mujer. Su libertinaje es serio y lleno de convicción. Ingres no es nunca tan feliz ni tan poderoso como cuando su genio se enfrenta con los encantos de una belleza joven". </em>En efecto, la simple observación de estas y otras obras no hace sino corroborar lo que nos dice Baudelaire para que nosotros podamos confirmarlo. Pero a esto tenemos que añadir además la meticulosidad con la que trata las texturas no sólo de los desnudos, sino de los textiles que en estas obras aparecen, y que le sirven para mostrar al espectador su virtuosismo técnico. Cortinajes, sábanas, alfombras, pañuelos, toallas, abanicos o plumajes, muchas veces de inspiración oriental, son comunes en su pintura.</div><br /><div align="justify">En este sentido, es justo que reparemos en una de sus últimas obras maestras, <em>El baño turco</em>, fechada hacia 1863, por ser un compendio perfecto de este conjunto de obras que antes hemos citado. Aunque lo primero que nos llame la atención sea su formato circular (lo que posibilita una composición centrípeta sumamente interesante), inmediatamente después nos fijamos en la figura femenina que aparece de espaldas, modelo que ya había repetido en <a href="http://www.martamoro.com/wp-content/uploads/2009/07/ingres_banista-de-valpincon.jpg"><em>La bañista de Valpinçon</em> </a>(1808) y<a href="http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/jpg/INP02615.jpg"> <em>La pequeña bañista</em></a> (1828). Resulta también muy sugerente el grupo de mujeres que se sitúa a la derecha de este personaje, especialmente la figura que levanta sus brazos por encima de su cabeza en una actitud totalmente entregada al espectador. Le sirve de contrapunto otra figura que, algo más alejada, cruza sus brazos y dirige su mirada hacia un punto indeterminado, mientras otra chica le mesa los cabellos. Al fondo se sitúa otro grupo de figuras, más numeroso pero algo menos elaborado, conformando, finalmente, una obra técnicamente intachable y resuelta con una maestría fuera de toda duda, a lo que ayuda la ambientación que se da a la estancia, y que nos habla de las experiencias del pintor en la ciudad de Constantinopla.<br /></div><br /><div align="justify"><br /><object height="344" width="425"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/jqDV2JavJ_s&hl=es_ES&fs=1&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><br /><embed src="http://www.youtube.com/v/jqDV2JavJ_s&hl=es_ES&fs=1&color1=0x3a3a3a&color2=0x999999" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object></div><br /><div align="justify"></div><div align="justify"> </div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-89207737058057316542010-01-07T13:28:00.004+01:002010-01-07T14:27:22.619+01:00Marat<a href="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S0XT6ZasH6I/AAAAAAAAAb8/xrTs_KbpdFY/s1600-h/la_muerte_de_marat.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5423974326446333858" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 240px; height: 320px; text-align: center;" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S0XT6ZasH6I/AAAAAAAAAb8/xrTs_KbpdFY/s320/la_muerte_de_marat.jpg" border="0" /></a><br /><div align="justify"><em>La muerte de Marat </em>es sin duda una de las pinturas más célebres del pintor francés Jacques-Louis David (1748-1825), referencia indiscutible del Neoclasicismo pictórico. Como tal, el Neoclasicismo trata de recuperar los valores estéticos y culturales de la civilización grecolatina. Desde un punto de vista estrictamente artístico, es una respuesta al agotamiento de las formas barrocas a mediados del siglo XVIII, y será adoptado como el estilo oficial de la época de la Ilustración, conviviendo también con los sucesos de la Francia revolucionaria de finales del citado siglo.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">En este sentido, la obra que hoy proponemos tiene tal importancia que a veces ha primado su valor como documento histórico por encima de sus cualidades artísticas, tanto a nivel técnico como compositivo. Evidentemente, no podemos obviar el tema, ni en ésta ni en ninguna otra pintura, pero también tenemos que atender a otras consideraciones que a menudo han quedado en un segundo plano, a pesar de su importancia.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Esta famosa pintura está fechada en 1793, año en el que gobernaba la Convención Jacobina en Francia. Era la época de <em>El Terror</em>, de Robespierre, y el cuadro nos narra un hecho sucedido en 1792, cuando Carlota Corday, simpatizante de la facción girondina (más moderada desde un punto de vista político), asesinó a Jean-Paul Marat en su propio domicilio. Nuestro personaje no militaba activamente en política, pero se posicionó claramente al lado de los jacobinos a través de los escritos que publicaba el periódico radical <em>L'ami du peuple</em>. Era por tanto un personaje mediático, que la oposición quería aniquilar. Este suceso lo convirtió en un héroe de la Revolución, y es por ello que se encargó una pintura en la que se representara el fallecimiento, que tuvo lugar, como vemos, en la bañera de su casa, mientras escribía y se tomaba uno de los muchos baños terapeúticos que realizaba para mitigar los síntomas de una enfermedad que atacaba su piel. El elegido para realizar este homenaje fue David, ya conocido por sus revisiones de los mitos clásicos a través de obras como <em><a href="http://www.fflch.usp.br/dh/heros/antigosmodernos/seculoxix/marx/18brumario/HoraciosJuramentoDavidCgfa.jpg">El juramento de los horacios</a></em>. A partir de este momento se convertirá en un artista íntimamente ligado a los sucesos revolucionarios, como bien muestran algunos retratos realizados a Napoleón, destacando la grandilocuente <em><a href="http://arteyartistas.files.wordpress.com/2008/08/la-coronacion-de-napoleon-y-josefina-1804.jpg">Coronación</a>.<br /><br /></em></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Para esta obra en concreto, David asume una sencillez estilística muy en la línea del primer Neoclasicismo, pero aportando nuevos elementos, entre los que debemos destacar, por un lado, ciertas influencias de un claroscuro propio de Caravaggio, artista admirado por David. Pero más llamativa incluso es la propia composición que elige para esta representación, al situar la escena principal en la parte baja del lienzo, mientras que la parte alta queda reservada a un fondo neutro más propio de la tradición barroca que de cualquier otra, y que ocupa la mayor parte del cuadro. Esta composición, insólita en la pintura tradicional del momento, aumenta sin lugar a dudas el dramatismo del acontecimiento que se pretende conmemorar, al mismo tiempo que lo eleva a categoría de divinidad, a lo que ayuda también la postura del personaje, que deja caer plácidamente su brazo derecho como si de una imagen de Cristo muerto se tratara. El autor nos da a entendfer que Marat murió por la Revolución, ya que éste aparece realizando su labor como escritor y periodista. La capacidad para que el espectador quede inmediatamente inmovilizado por esta visión directa, certera y llena de fuerza explica la popularidad que ha acompañado a esta pintura desde el mismo momento en que fue realizada.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/La_muerte_de_Marat">Artículo en la Wikipedia</a><br /><br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div><div align="justify"> </div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-16911819023463871682010-01-05T22:14:00.006+01:002010-01-05T23:10:12.693+01:00Iván Zulueta<div align="justify"><a href="http://4.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S0Or7QDhhxI/AAAAAAAAAb0/GAvrOTeq3fY/s1600-h/entretinieblas.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5423367410694588178" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 226px; height: 320px; text-align: center;" alt="" src="http://4.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/S0Or7QDhhxI/AAAAAAAAAb0/GAvrOTeq3fY/s320/entretinieblas.jpg" border="0" /></a><br />Hace unos días nos dejaba Iván Zulueta (1943-2009). Este donostiarra pasará a la historia por haber dirigido una de las películas más apasionantes, turbadoras y personales de todo el cine español. <em>Arrebato</em> (1979) es más que una película; es una experiencia, un viaje iniciático para el espectador. Es una obra única, insólita en nuestra cinematografía, y sin parangón con ninguna otra. Podríamos quedarnos hablando de esta cinta horas y horas. Tan honda, tan profunda, tan intangible se nos antoja. Cualquier aproximación que podamos hacer acerca de su argumento nos parece innecesaria, y acerca de la interpretación que pudiéramos darle, tan sólo dejaremos abierta la puerta para que todo aquel que quiera vivir ese arrebato lo consiga por sus propios medios. La única forma es viéndola. Desde este blog recomendamos que así se haga, avisando, eso sí, que no van a ver una película al uso.<br /><br />Al hablar de una película, lo lógico hubiera sido que hiciéramos un esbozo del resto de la filmografía de su director. Pero se da la circunstancia de que Zulueta sólo firmó, antes que la película citada, algún cortometraje underground y el largo <em>Un, dos, tres, al escondite inglés</em>, a principios de la década de los 70. Esto quiere decir que, tras finalizar Arrebato, no pudo dirigir nada más, salvo algún capítulo aislado para alguna serie de televisión. No sabremos a ciencia cierta si esa escasez creadora pudo deberse a su relación con las drogas, o sencillamente ya lo dijo todo allá por 1979, y <em>Arrebato</em> fue su catarsis. Al fin y al cabo, como leía el otro día en <em><a href="http://www.publico.es">Público</a>, ya había hecho, a la segunda, la película que muchos directores persiguen toda una vida.</em><br /><p>¿Pero podemos considerar a Zulueta un director de cine? Realmente seríamos injustos si olvidáramos otras facetas de un artista heterogéneo a pesar de no ser, como decimos, demasiado prolífico. En este sentido, lo más destacable fue su labor como cartelista para otros directores de cine. Influenciado por el Pop Art, sus trabajos para Pedro Almodóvar han sido los más celebrados y conocidos, y así lo vemos en los carteles de <em><a href="http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/almodovar/laberinto/carteles/grandes/cgr.gif">Laberinto de pasiones</a></em> (1982) o <em><a href="http://filimadami.com/afisler/%BFQu%E9_he_hecho_yo_para_merecer_esto%21%21___What_Have_I_Done_to_Deserve_This_%281984%29.jpg">¿Qué he hecho yo para merecer esto!</a></em> (1984).</p><p>Destacamos sobre todo el realizado para <em>Entre tinieblas</em> (1983), que encabeza esta entrada, y en donde queda resumida perfectamente la historia que la película nos cuenta. Sobresale por encima de todo la capacidad que tiene para quedar retenido por el espectador, al componer una imagen de gran fuerza estética, como es la de un tigre con hábito monjil. Efectivamente, en la película filmada por Almodóvar hay un tigre, pero este no es protagonista, sino que sirve de mascota a una de las religiosas. La Orden de las Redentoras Humilladas tiene por fin recoger de la calle a todas las mujeres pecadoras que huyen de la justicia por motivos de drogadicción, prostitución o asesinato. Sin embargo, el convento no será tal remanso de paz. Por ello, el tigre retiene entre sus garras a la mujer del traje rojo. Por eso, también, el escudo de la orden cambia los siete puñales del corazón por siete jeringuillas, aludiendo claramente a la heroína, presente, también, entre los muros del convento. Zulueta logra, como decimos, narrar la película con muy pocos medios expresivos, lo cual es un valor añadido en la cartelería para cine. Además, enmarca la escena en un marco morado salpicado de unas notas musicales que, en color rojo, hacen referencia a la condición de cantante de la protagonista del film. Nos habla, en cualquier caso, del buen hacer de un artista que no lo dijo todo, o no lo pudo decir todo, o sencillamente no quiso.</p><p>Os dejo aquí un vídeo de 2004 en el que habla sobre su obra más famosa. Ojalá sintáis el <em>arrebato...</em></p><p></p><p><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/Yhglm85EMD4&hl=es_ES&fs=1&color1=0x402061&color2=0x9461ca"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/Yhglm85EMD4&hl=es_ES&fs=1&color1=0x402061&color2=0x9461ca" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object></p><p></p><p>D.E.P.<br /></p></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-2166158013716435662009-12-23T22:12:00.007+01:002009-12-23T23:10:43.710+01:00Los Belenes de La Roldana<div align="justify"><a href="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/SzKRqJSoU3I/AAAAAAAAAbc/Mjeb86dAk7E/s1600-h/03Guadalajara.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5418553454914720626" style="margin: 0px auto 10px; display: block; width: 316px; height: 320px; text-align: center;" alt="" src="http://1.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/SzKRqJSoU3I/AAAAAAAAAbc/Mjeb86dAk7E/s320/03Guadalajara.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div>Sirva esta entrada para desear una Feliz Navidad y Año Nuevo a todos los lectores de este blog. Quisiera compartirla además con los blogueros de <a href="http://nuevospapeles.blogspot.com/">Nuevos Papeles</a>, espacio del IES Federico Mayor Zaragoza (Sevilla) en el que colaboro junto a otros compañeros, y cuya visita recomiendo. <div style="text-align: justify;"><br /></div><div align="justify"></div>Al hablar de la Navidad, se nos vendrán rápidamente a la cabeza dos elementos a la cabeza: El árbol y el belén. Vamos a centrarnos en este último caso, donde se configura una iconografía costumbrista que va más allá de la representación del nacimiento de Jesucristo junto a María y José, al introducirse no sólo las figuras de los Reyes Magos -Melchor, Gaspar y Baltasar-, sino todo un conjunto de pastores y personajes desempeñando las más diversas labores. Aunque tiene un origen anterior, el Belén vivió un extraordinario desarrollo durante el siglo XVIII, dentro de una estética rococó que apostaba por lo pequeño, lo minucioso y lo delicado. En España, son dos figuras las que destacan: Francisco Salzillo y Luisa Roldán. Ambos tomarán como referencias modelos italianos en los que el gusto por lo preciosista es nota dominante, de forma que se pondrán de moda los belenes de numerosas figuras, estableciéndose una tradición que hoy continúa y en las que estos dos escultores jugaron un papel esencial. <div align="justify"><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">La Roldana constituye sin duda un ejemplo notable de escultora de primera categoría que, a pesar de ser relativamente conocida, no ha sido estudiada con la profundidad que su calidad como artista merece. Esta circunstancia puede estribar en parte en el hecho de ser hija de Pedro Roldán y esposa de Luis Antonio de los Arcos, y, cómo no, de tratarse de una mujer, lo cual quizás haya motivado que los investigadores -hasta hace muy poco tiempo hombres en su mayoría- no se percataran de su valía, a pesar de que llegó a ser escultora de la corte de Madrid, siendo monarcas Carlos II y Felipe V. En plena decadencia, eso sí, de la dinastía de los Austrias, y estando muy próximo el advenimiento de la dinastía borbónica. Todos estos condicionantes no sólo no restan calidad a su obra, sino más bien al contrario, la engrandecen y la sitúan claramente por encima de la mayor parte de escultores de su tiempo.</div><div align="justify"><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">Sólo así se explica que los belenes de Salzillo (artista nacido justo el mismo año que moría La Roldana) tengan una más que justa fama pero muy superior a la de la artista sevillana, cuando ella comenzó antes que él a realizar obras de pequeño formato de la misma temática, que el murciano desarrolló e hizo evolucionar con una maestría a todas luces innegable. Así, dentro de la producción de nuestra escultora encontramos un buen número de obras que giran en torno al nacimiento y la infancia de Jesús. Son de reducido tamaño, y en ellas demuestra su capacidad para demostrar no sólo sus indudables conocimientos sobre la técnica del barro cocido, sino también su extraordinaria sensibilidad para captar toda la emoción de los personajes principales de la escena, a los que dota de una ternura sin apenas parangón en la Historia del Arte.</div><div align="justify"><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">En la imagen: Sagrada Familia. Museo Provincial de Guadalajara. 1698-1704.<br /><br /></div></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-1620897900931225282009-12-17T12:58:00.011+01:002009-12-17T20:05:06.689+01:00La incógnita de la Macarena<a href="http://3.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/SyogeSkp9tI/AAAAAAAAAbU/F7KROzhYfBw/s1600-h/Macarena2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5416177206620190418" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 246px; HEIGHT: 320px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://3.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/SyogeSkp9tI/AAAAAAAAAbU/F7KROzhYfBw/s320/Macarena2.jpg" border="0" /></a><br /><div align="justify">No cabe duda. La imagen más conocida de la Semana Santa de Sevilla no es otra que la de María Santísima de la Esperanza, del barrio de la Macarena. Sobre si es el barrio el que da nombre a la Virgen, o es Ella la que se lo da a su barrio, hay mucha literatura local. Pero hoy vamos a intentar centrarnos es aspectos puramente artísticos para poner sobre la mesa uno de los grandes misterios de la imaginería hispalense, protagonizado por una devoción que traspasa fronteras y que es todo un símbolo de la ciudad, tanto para los creyentes como para los que no son. Porque pocas veces alcanza una imagen tal capacidad de empatía con el esprectador, sin importar ideologías, clases sociales , nivel cultural o creencias religiosas. Esta es una obra que emociona a casi todos. Que no deja indiferente. Una lección constante de historias, más incluso que de Historia. Cuando el Arte traspasa la frontera de lo inteligible.<br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">Lo primero que tenemos que decir es que la imaginería procesional del siglo XVII es en muchos casos de carácter anónimo, especialmente en el caso de las dolorosas, de tal forma que a día de hoy sólo una de las que procesionan en la Semana Santa está documentada (<a href="http://fotos0.mundofotos.net/2007/09_04_2007/carreteria1176134753/en-el-mayor-dolor-de-la-virgen-de-mirada-melancolica-por-causa-de-su-soledad.jpg">Virgen del Mayor Dolor en su Soledad</a>, por Alonso Álvarez de Albarrán en 1629). Las atribuciones suelen ser además más complejas que para las tallas cristíferas, al tratarse de imágenes de candelero, en las cuales únicamente están talladas las manos y el rostro.<br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">Si hacemos un breve ejercicio de memoria, nos tendríamos que ir hasta el año 1595, fecha de fundación de la hermandad por parte del gremio de hortelanos de la collación de San Gil. Vemos entonces que los orígenes de esta formación debieron ser muy humildes, de tal forma que la adscripción de la imagen a los grandes escultores del primer tercio del siglo XVII -<a href="http://3.bp.blogspot.com/_pX8MzCOdM1g/R1qVm1KrduI/AAAAAAAAAaI/qeNe26-FnHY/s400/La%2BCieguecita.bmp">Juan Martínez Montañés</a>, <a href="http://luzdepasion.files.wordpress.com/2009/11/angustias1.jpg">Juan de Mesa</a>- resulta un tanto arriesgada, a lo que se suma las pocas analogías que la Macarena tiene con obras documentadas de estos maestros. A pesar de ello, algunos estudiosos defienden esta teoría, valiéndose de un inventario que data de 1624.<br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">Sin embargo, otros investigadores apuestan que, por sus rasgos estilísticos, la obra debería situarse cronológicamente a finales del siglo XVII. Es la época de Pleno Barroco, en la que destacan imagineros como Francisco Antonio Ruiz Gijón o Pedro Roldán. La atribución al prolífico taller de este último ha sido más o menos frecuente, y para ello se han establecido analogías con obras como el <a href="http://www.losnazarenos.org/images/stories/actuales2009/nazarenoalgaba2.jpg">Jesús Nazareno de la localidad cercana de La Algaba</a>. Otras atribuciones han ido más allá, al situar a la Macarena como obra salida de la labor de su hija, <a href="http://fotos.subefotos.com/c451405adc969963de3d9167f2cc2c5do.jpg">Luisa Roldán</a>, conocida como La Roldana y que llegó a ser escultora de cámara de Carlos II. Esta hipótesis no termina de ser convincente para muchos autores que no ven clara la atribución, a pesar de que sería ciertamente hermoso que hubiera sido una mujer la responsable del icono femenino de la ciudad por excelencia.<br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">Otras atribuciones a escultores del siglo XVII son las de Felipe Morales y Cristóbal Pérez, que también aparecen vinculados al titular cristífero de la Hermandad, <a href="http://www.lagubiayeltas.us/Detalles/Jesus/Sentencia00.jpg">Nuestro Padre Jesús de la Sentencia.</a><br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">Así, llegamos al siglo XVIII, fecha en la que otros estudiosos sitúan a esta imagen mariana. Son dos los nombres que se barajan. Por un lado, Benito Hita del Castillo. Por otro, <a href="http://www.lagubiayeltas.us/Detalles/Maria/Dolores-Servitas-Cara.jpg">José Montes de Oca</a>, autor que trabaja durante la primera mitad de dicho siglo y que imprime a sus dolorosas de unos rasgos característicos que podrían corresponder a la Macarena, a pesar de las intervenciones que la imagen ha sufrido a lo largo de su historia. Algunos estudios afirman incluso que la escultura que hoy contemplamos puede ser fruto de una antigua imagen de gloria modificada, lo que explicaría la leve sonrisa que esboza<br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify">Como vemos, mientras más se investiga y más se indaga, mayor número de interrogantes parecen surgir. Más preguntas sin respuesta. Lo que queda claro es que estamos ante una obra que supera lo artístico, y también lo religioso, para ser algo más. Algo que ni los sevillanos siquiera saben explicar con certeza. Una imagen vale más que mil palabras:<br /><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify"><object height="344" width="425"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/MleHL_aSN_s&hl=es_ES&fs=1&color1=0x234900&color2=0x4e9e00"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowscriptaccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/MleHL_aSN_s&hl=es_ES&fs=1&color1=0x234900&color2=0x4e9e00" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object></div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><div align="justify"></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-2321215218310009029.post-53296215175948058682009-12-12T03:54:00.001+01:002009-12-12T03:57:31.131+01:00Zurbarán y la Inmaculada<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/SyMGfisWRPI/AAAAAAAAAbM/lsXfNtHMvS4/s1600-h/5Z7DECADKE5WOCA37PMNOCABP9H31CA12OPF9CAMNAT1XCA0D2QIGCA8105Y6CAQPPTTKCAF5I25DCANPOQKKCAS2WEDLCASDLSN0CA0PK2T9CAEUZNS4CA9TTW5ZCAZG23IRCATFO5RZCAG1HK17CABDKVZD.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer; width: 258px; height: 320px;" src="http://2.bp.blogspot.com/_wxhFb5qnSeU/SyMGfisWRPI/AAAAAAAAAbM/lsXfNtHMvS4/s320/5Z7DECADKE5WOCA37PMNOCABP9H31CA12OPF9CAMNAT1XCA0D2QIGCA8105Y6CAQPPTTKCAF5I25DCANPOQKKCAS2WEDLCASDLSN0CA0PK2T9CAEUZNS4CA9TTW5ZCAZG23IRCATFO5RZCAG1HK17CABDKVZD.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5414178315987993842" border="0" /></a><br /><div align="justify"><br /><em><span style="color: rgb(51, 0, 51);">1 Apareció en el cielo una gran señal: una mujer vestida del sol, con la luna debajo de sus pies, y sobre su cabeza una corona de doce estrellas. 2 Y estando encinta, clamaba con dolores de parto, en la angustia del alumbramiento. 3 También apareció otra señal en el cielo: he aquí un gran dragón escarlata, que tenía siete cabezas y diez cuernos, y en sus cabezas siete diademas; 4 y su cola arrastraba la tercera parte de las estrellas del cielo, y las arrojó sobre la tierra. Y el dragón se paró frente a la mujer que estaba para dar a luz, a fin de devorar a su hijo tan pronto como naciese. 5 Y ella dio a luz un hijo varón, que regirá con vara de hierro a todas las naciones; y su hijo fue arrebatado para Dios y para su trono. 6 Y la mujer huyó al desierto, donde tiene lugar preparado por Dios, para que allí la sustenten por mil doscientos sesenta días.</span></em> (Apocalipsis, 12, 1-6)<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Esta semana, concretamente el día 8, se celebraba el día de la Inmaculada Concepción. Es muy sintomático que una festividad de tan acusado carácter religioso sea fiesta nacional de un país. Y es que no olvidemos el compromiso que ha establecido España con el Catolicismo durante toda su historia, de tal forma que hoy quedan vestigios tan claros como es éste. En el tema concreto que nos ocupa, cabe recordar que el dogma de la Inmaculada Concepción de María fue definido por el Vaticano en una bula papal del 8 de diciembre de 1854, pero ya venía defendiéndose en nuestro país desde siglos anteriores, a través de una prolija iconografía, santo y seña del arte contrarreformista, que alcanza durante el Barroco su mayor desarrollo. Así, nos encontramos ante un tema iconográfico que comienza a configurarse en el siglo XVI, pero es en el XVII cuando verdaderamente queda afianzado, y para ello, la referencia al Apocalipsis con la que hemos comenzado es crucial, si bien se incorporarán otros elementos que enriquecerán el tema.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Como decimos, el Barroco español es especialmente prolífico a la hora de dejar muestras de este tema iconográfico. Si además tenemos en cuenta la situación de Sevilla en el siglo XVII, con una ciudad en franca decadencia económica pero con un panorama artístico en completa ebullición, no tardaremos en comprender el gran arraigo que tendrá esta devoción, en una ciudad con fuertes convicciones religiosas, y más específicamente marianas. Es por ello que muchos de sus artistas, sobre todo pintores, representarán este tema con notable calidad técnica. El caso universalmente más conocido es el de <a href="http://www.yoyita.com/Catolicismo/Immaculate.jpg">Murillo</a>, por la profundidad psicológica que supo dar a sus imágenes marianas, plenas de vida interior, y mostrando una radiante juventud que marcará un antes y un después en esta representación. Sin embargo, hubo muchos otros pintores que supieron acercarse a este tema, en fechas anterioresy posteriores a las del citado pintor, dentro y fuera de la ciudad hispalense. Son los casos de <a href="http://patry33.files.wordpress.com/2008/08/zurbaran14.jpg">Zurbarán</a>, <a href="http://www.parroquiafatima.org/descargas/pinturas/Velazquez/images/La%20Inmaculada%20Concepcion.jpg">Velázquez</a>, <a href="http://www.reprodart.com/kunst/jose_auch_jusepe_de_ribera/immaculate.jpg">Ribera</a>, <a href="http://albayalde.files.wordpress.com/2008/08/alonso-cano_inmaculadabarentevilla.jpg">Cano</a>, <a href="http://img230.imageshack.us/img230/9330/lainmaculadaconcepcinbz0.jpg">Valdés Leal</a> o <a href="http://www.mariologia.org/images/greco32.jpg">El Greco</a>.<br /><br /></div><div align="justify"> </div><div align="justify">Hoy vamos a centrarnos en el caso de Francisco de Zurbarán (1598-1664), un pintor extremeño que desarrolló su labor entre su tierra natal y el centro artístico de Sevilla, pricipalmente. Aunque no gozó del prestigio que Velázquez, y a nivel técnico se encuentre un escalafón por debajo de él, realizó numerosas series pictóricas para ordenes religiosas. Pintor muy conocido por sus representaciones de monjes dominicos, franciscanos o cartujos, destaca muy especialmente en su producción de carácter religioso, como no podía ser menos en la España del siglo XVII. Dio forma a la sencillez y austeridad de los conventos, y desde entonces hasta hoy ha sido mil veces elogiada su capacidad para captar las texturas, especialmente visibles en sus bodegones, donde alcanza un sentido de lo místico verdaderamente magistral. Merece una atención especial el apartado que dedica a capítulos de la infancia de Jesús, como <a href="http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/jpg/ZUN01915.jpg"><em>El niño de la espina</em></a><em>, </em><a href="http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/jpg/ZUC01932.jpg"><em>El Niño Jesús se hiere con la corona de espinas en la casa de Nazareth</em></a><em>, </em>que funcionan como premoniciones sobre la Pasión, así como de María, algo que podemos ver en <em><a href="http://www.artehistoria.jcyl.es/artesp/jpg/ZUV01928.jpg">La Virgen niña dormida</a> </em>o en la fantástica <em>Inmaculada Concepción Niña</em> que abre esta entrada, y con la que volvemos al principio de nuestro discurso. Al mundo de las Inmaculadas. Y en esta obra, Zurbarán logra dotar a una iconografía ya por entonces muy querida en el arte católico de un sentimiento de ternura, de acercamiento al fiel, que consigue también en las obras anteriormente mencionadas, y que Murillo sabrá explotar años después estableciendo una simbiosis con el público casi total.<br /><br /><br /></div>Gonzalo Gonzálezhttp://www.blogger.com/profile/04332393097838326182noreply@blogger.com3